中国画中的写意人物画技法

写意人物画大致可以分为三类:写意线描、写意着色、写意。写意线描是写意人物画的重要专业基础课，也是可以独立运用的表现形式。写意线描侧重于写意人物画的观察方法和表现方法的初步训练，主要学习用笔这门学科，同时也研究用墨的问题。写意设色是写意人物画最常见、最常用的形式，以写意线描学习为基础，但重点应放在色彩运用的话题上(包括颜料的表现、色彩运用的技巧与艺术、色彩与水墨的混合、对比与协调等。).

写意画可以从画和写开始，逐渐放下笔，进入一般的彩笔。着色方法也可以先学习浅色着色，再学习重色的表现。写意是一种比较难发挥写意人物画技术特点的形式。简笔、泼墨、泼彩、泼水等一些传统技法在写意中完全可以运用。

1。手绘线条画基础

线描是素描中常用的技法，也是最简单的方法。这是一种只用粗细不一、刚柔交替、曲度不同、虚实相对疏密对比的线条描绘形象的技法，也是中国画中最古老的技法。从Xi安半坡的彩陶上，你可以看到多变的线描鱼纹。将这些栩栩如生的艺术形象与原始的鱼化石相比较，可以看出这些鱼纹是具有现实主义和浪漫主义色彩的伟大创造。

从自然科学的角度来看，直线就是曲面的边界，独立的直线是不存在的。即使像蜘蛛丝一样细的线，在显微镜下也是圆柱体。因为万物皆有其体，有体就有面，有面就有丝的感觉。正是从这种视觉实践中，我们的祖先发现了线条，创造了线描技法。

当我们使用这种技术来素描时，我们也应该根据这一理论从物体结构中找到线条。这条线是艺术线，可粗可细，可宽可窄。兼具造型和抒情功能，表现力丰富，为中国画技术奠定了基础。对于初学者来说，最好先从断枝的大花头开始，用铅笔勾画，方便修改，然后再用墨线重新勾住定型。用毛笔重勾墨线时，要注意用笔的变化，随花叶边缘起伏，随其转动而转动，用其结构安排笔的首尾，用其动作注意笔的笔画，用其不同的肌理注意笔的轻重和顿挫。一般来说，粗线适合表现粗的东西，细线则有一种婉约细的感觉，线条挺括，线条圆润柔和，干笔湿笔，线条的疏密也能表现出不同的空间感和色彩感。线条画可以由均匀的线条组成，也可以由变化的线条组成。墨水也是如此。一幅白画可以用同样的墨色完成，也可以浓淡兼备，做到多样统一。所有这些变化都是作者出于对感情的尊重而自由安排的。熟练之后，最好直接用墨水笔素描。物体的形状、精神、运动、肌理往往会启发我们利用笔墨的变化去创造新的技法，创造出更生动的形象，这对于写意来说尤为重要。

速写不同于拍照，可以添加枝叶，以花代树，去杂草存宝石，使形象更加完美。初学者最好是就地取材，有所取舍或收获，不要事后加工，以免削弱画的生动性。

2。复制方法

半坡人创造了线描，我们要不断创造新的技法。马克思说:“人们创造自己的历史，但他们的创造不是任意的，也不是在他们所选择的情况下进行的，而是在已经直接存在的、存在的和从过去继承的情况下进行的。”为了创造社会主义时代的新中国画，我们必须批判地继承已有的创作成果。文场、厚薄、快慢、高低确实有区别。

知识来自直接经验。临摹是把间接经验转化为直接经验的有效方法。临摹方法:一个是正面，一个是背面。对仗主要用于工笔和工笔，工艺性强，笔触可仿。也可以用在写意画的学习中，只了解大意，不用用笔求雷同，因为写意画包含一定的偶然效果，即使原作者重绘手稿，也不可能一模一样。

备份的过程如下:

首先是选择好的文案。一种是根据自己喜欢的画风选择自己欣赏的画家，喜欢的作品有利于自己画风的发展。一种是根据自己的创作需要和丰富的表现手法来选择临本。一种是选择临时用书，纠正自己用笔的习惯。无论从哪个目标选择，字迹清晰的原件都是好的，至少打印出来的复印件质量更好。

其次，看图。仔细观察林本，欣赏这幅画。为此，也要阅读关于作者生平的资料，尤其是与这幅画相关的评论。注意画面的题字、书法、印章，有助于理解绘画的意义。

第三是技术分析。欣赏完绘画的意义后，再仔细考察技法的特点，考察画面效果是如何获得的，以及绘画的过程，先画什么，后画什么，从哪里开始写等等。比如，郑板桥研究徐青藤的《雪竹图》，做了分析:“断笔干笔，纯属细笔，非竹；然后用淡墨勾染，枝间叶未覆雪，而竹的组合在隐跃。“就是一个很好的例子。根据技术分析，我们会考虑原作使用的设备，主要是:画的是纸还是丝，是原纸还是熟纸；用于绘画的笔的类型，是硬的、软的还是双管齐下的刷子；然后就是用水的质量，是天然水还是含胶水。工具和材料是技术的物质基础。如果工具和材料不对，就很难得到原作的效果，也很难学到技法。经过深思熟虑，至少画出质量差不多的东西。

写意的创作要做到心中有数，临摹写意要做到心中有数，才能着墨。你可以根据自己的需要，把整幅画连起来，也可以局部连起来。抄完之后对照原文校对，分析成败，总结经验。课时要求差不多，时间要长要短，要融入我。阿清诗人袁枚说:“与古人和平相处，你有很深的学术能力，落笔时有一种精神。”值得深思。

3。写意与写意色彩

除了用于写意线描的笔之外，写意着色的主要研究方向已经转移到用墨、用色和色墨结合的课题上。

中国画的笔墨是一个不可分割的整体的两个方面。笔中有墨，墨中见笔是传统绘画对笔墨的基本要求，各种笔都摆脱不了墨色的变化。改变和拥有魅力是不容易的，是随着修行和涵养的提高而提高的。有墨无笔，墨中无骨，无骨之墨易腐平，从而失去了中国画的表现力和特殊的笔法感。所以上面说的用笔问题，其实是离不开用墨这个主题的。写意人物画，虽然主题换成了水墨和色彩，其实也是一个进一步学习用笔的过程。色与墨在艺术上有很多* * *要求，比如用色在墨中，分为五色，用色要见笔，见色中骨，这是传统的用墨用色要求。中国画在形式感上的重要特征是以线条为主体的不同墨色笔触的有机、和谐、有节奏的组合。当然，作为一种色彩，还有其他的艺术表现形式，现代写意人物画中墨色见骨的观念在拓展和延伸，比如追求质感效果，丰富和强化了墨色的笔法感。

墨色有焦、重、浓、淡、清之分，有干、润之变，如断墨、积墨、泼墨、宿墨、粘墨等。水墨的神韵和节奏产生了雅、重、浓、滴、润等各种艺术趣味，表现了物体的一些形态和肌理、意境和意趣。用墨的诀窍是在变化中求统一，可以是各种墨色之间的对比，也可以是墨色本身的节奏感、丰富性、质感。所以用墨一般有两种倾向，一种是在比较中求统一，一种是在统一中求变化。前者追求丰富性和鲜明性，后者要和谐而不单调。

最常用的着墨方法是断墨法。由于生宣纸的渗透性和斥力、含水量和书写顺序不同，深浅墨在交融或重叠时能产生复杂的艺术趣味。具体来说，可以分为三个部分:明暗互破、干湿互破、水墨互破等。在此期间，含水量、速度、书写间隔时间、纸张质量和墨水质量、笔型和笔型都起着不同的作用。比如墨水含量相同，由于书写速度不同，会造成宣纸与笔接触的瞬间长短，所以宣纸上反映出来的浓淡和通透程度会因吸墨量和吸水量的不同而不同。如果两笔之间的时间间隔不同，也会因为先落下的笔痕的干湿度和浸润范围不同，在与后落下的笔的交融中产生不同的效果。羊毛和狼毛因为吸水性和排水性不同，破墨效果也不同。鲜墨、宿墨、胶墨断墨会有很不一样的效果。

鲜墨是清醒而多彩的，宿墨是古朴而苍劲的，胶墨是凝重而粗糙的。不同的纸张质量或透气性，用同样的水分和油墨颜色，效果会有很大的不同。油烟墨、书画墨、松烟墨、墨胶、广告墨，在宣纸上都有不同的味道，而这些不同性质的墨，由于纸张的质地不同，会产生非常不同的效果。所以墨学的掌握需要实践和亲身经历的不断积累。

积墨法在山水画中应用广泛。所谓积墨，是指不同的墨色、不同的笔触不断重叠所产生的特殊艺术效果，给人以古朴、丰富、厚重之感。积累时每一级笔画的重叠一般是在前一级笔画干的时候进行的，笔画的重叠既要有形式感，又要有形象感。蓄墨时，湿笔比渴笔更难，因为湿笔的积累容易臃肿庸俗，不容易追求葱郁淋漓的效果；口渴的笔不仅容易松散细腻，而且失效了也容易补救。渴笔的堆积要防止松散细腻。湿渴混积是最常用的手法，达到了浑美之效。水墨堆积法一般用于人物画中画头发、粗糙的物体和衣服、老人的皮肤，以及在对比和气氛中表现一些特殊的效果。

宿墨法律。由于室温过高，宿墨通过发酵与墨水分离。这种变质的墨水可能被画家偶然发现，可以产生特殊的艺术效果。宿墨由于胶水的部分或全部发酵和墨水颗粒的分离而沉淀，这样就会凝固在宣纸上，笔痕清晰，不易渗透或遮盖。宿墨不像新鲜的墨水一样闪亮，但它是黑暗和丰富的。在作画时，往往是因为其各种不易融合重叠的笔痕，以及偶尔渗入一些未发酵的墨水，使其着墨方法独具特色，受到历代画家的青睐。

泼墨法是指用随笔在宣纸上泼洒大量不均匀墨水的绘画方法。这种泼洒的笔痕和水痕，有一种自然的感觉和力度，但有很大的偶然性和随机性。是作者有意无意的产物，很容易出现既合理又意外的效果。泼墨法往往与写意联系在一起，适合追求趣味、感觉，造型上不需要严格的题材和意象。画衣着宽松的人物，活动或舞蹈中的素描人物，或风、雨、雾、夜中的人物，都有利于泼墨的发挥。

指画是以手指为笔的一种特殊的绘画表现方式。早在唐朝