中国画色彩语言分析
画家想要什么就要什么，心灵让自然表演一切。所谓“俯视一切”、“随心所欲”、“一切由心造”。由心灵创造，有一个物质转化的过程，也接受事件、时代、环境、文化水平、人的个性的制约，物质和精神都有提升。中国画自古以来就重视池、游、学、承。所以“行万里路，读万卷书”的重要性可以说是荡然无存。
历史在变，事物在变，知识在变，人的思维在变，形式和内容在变，现代人和古人明显有区别。绘画没有固定的形象，无论时代还是具体的画家，绘画的风格都是不同的。这种变化的结果虽然可以想象，但不能单独断言。它不是基于意志。中国画有始有终。构成中国画的道，宇宙存在就存在，不会消失。
纵观美术史，从张和尚画凹凸画、曹步星画佛像到，那个时代不仅有交流，也有一批知名的画家。伊格纳丢斯·西切尔巴特融合了中西绘画方法，冷梅、唐岱、陈美、罗富玉等人都受到了影响。在晚年，李悟信仰耶稣。有人说他的画使用了西方的方法，但他对此表示反对。他还鄙视西方绘画。他说:“我的画不求形，不落俗套，叫神逸；他都是用功夫反阴阳的格局——用笔也不一样。“虽然郎世宁极力吸收中国画写意，但中国人不是成年人，外国人说他们抛弃了自己的出身，使他们处于两难境地。那时候中西绘画还没有融为一体，那种绘画到现在也没有建立传统传承。这是历史事实。
反思中国画的历史，诚然中国画的事实是不断变化的，但这种不断变化是围绕着一个中轴线的，这个中轴线就是民族传统。魏晋南北朝时期，政治不统一，各种学术思潮相应活跃。由于佛教的推动，绘画艺术成为一朵生机勃勃的花朵，产生了一批成就斐然的画家，而顾恺之就是其中最伟大、最具代表性的划时代人物之一。他不仅有很多以山水画为题材的作品，而且《画云台山》手稿给后人留下了非常珍贵的启示。还有《洛神赋图》、《女史谚图》。包括敦煌壁画，正是因为众多的山水创作，宗炳的《画山水序》《画论》等理论著作流传至今，提出透视比例要“纵三寸，纵高达一千米；横墨数尺，身回万里”。“用一管的笔，太虚了。”同时提出了“自由精神”和“画爱”等美学思想。这些对山水画的独立学习起着重要的作用。
隋是山水画走向完全成熟的过渡阶段。唐代是中国历史上最强盛、最繁荣的时代，绘画艺术空前繁荣。山水画的折皱法已经发展起来，李父子的山水画就是一个集大成者。吴道子和王维的水墨山水画法开创了新的发展方向。后期，王洽的泼墨充分发挥了水的性能。曹彰善用秃笔，创造了新的渲染方法，提出了影响深远的“师法自然，师法于心”的理论，为中国画创作中的主客观关系奠定了辩证的基础。山水画成熟而独立。王维“山水战术”中的透视比例理论体现了中国画理论的完善。王维开创了画中有诗、诗中有画的艺术境界，为后世文人画开了先河。到了唐代，构成中国画精髓的用笔、用墨、用色、用水的技法已经完备成熟。“外教之性，源氏之心”，“张山尺树，寸马分人，远人不同，远树无枝，远山无石，幽幽如眉，远水无波，高而云齐”。这种科学实用的思想理论和技法理论为中国画的发展做出了贡献。诗中有画、诗中有画的艺术境界，为中国画奠定了东方艺术的崇高形象和崇高地位。从唐代开始，几千年来一直享受和利用着丰富而珍贵的遗产，奠定了深厚而坚实的基础，使花鸟画在宋代兴起并走向成熟。
由于五代的政治分裂，中国画的风格受到了影响。郝静在北方以其强大的力量产生了深远的影响，他写了一本书《书法》。提出“气、韵、思、景、笔墨六要”，发展了“六法”。关是的继承者，对江南水墨画有着深远的影响。巨然继承了董源的衣钵。它们一直影响着后世，甚至发展成南北宗论。
郑振铎先生说，中国绘画史应以宋代为中心，宋代中国画题材齐全，辉煌空前。宋徽宗开办画院，建立“画学”；是世界上第一所国立美院，学校思想和学校画风起步。
宋初，李成、管同、范宽他们画派统治画坛，中国绘画史评论“三足鼎立，百代标程”。北宋中期，文人画家异军突起，崇尚水墨写意，与学院派绘画相对立。代表任务有苏轼、米芾。苏轼提出“论画之相似，见邻里有子”。成了写神灵意趣的意象画题词，影响到了现在。这种观点和绘画方法也为中国画的革新提供了一个革命性的口号。苏、米的艺术思想成为文人画的典范和指南。由于文人画与学院画的对立和混乱，南宋形成了唐力、刘松年、马援、夏圭的画风，出现了梁楷的水墨画。而苏、米并没有研究总结，只是提出问题。《林志记》、《纯粹山水全集》这两部理论著作都是由画院的画家完成的。
元代文人画最重要的人物是赵孟頫。他提出“书画同源”并加以发挥，将书法的技艺应用于绘画笔墨，使书画家的遗风得以流传于书画界。也有人说书来源于画，画在书中。元代又是一个转折点，画风骤变，文人水墨画如雨后春笋般蓬勃发展。当时的青绿重彩工笔画领域虽有华丽的机构作品，如精美的永乐宫壁画，但已接近晚年。明初，“浙派”曾一度活跃于画坛，后被吴门画家所取代。董其昌的画因为有南北宗的理论，200多年如火如荼。虽然有是非之争，但也有一派认为他的成就是主要的。陈淳和许巍都是划时代的人物，尤其是许巍，影响既大又持久。郑板桥和齐白石也很崇拜他。从明朝到清朝，会写会画，会写会画，诗书画结合；金石学兴盛，诗书画印融为一体。中华民族的这一伟大而辉煌的艺术，其完整、宏伟、精致、文采、神秘，是世界上其他绘画所无法企及的。
从历史上看，发展到清代是在文人画的道路上继续。虽然此时是按照文人画的道路发展，但却是一个大有作为的时代。当时社会内外关系发生了变化，画家的生活、世界观、艺术观念、技法、学术都给我们留下了既珍贵又现实的艺术瑰宝和丰富的经验，有着不同的流派和艺术竞赛。名家不计其数，如明四家、四王、四僧、八怪、金陵画派、黄山画派、扬州画派、第一个提到水墨画的高，等等。他们都是我们民族文化的奉献者和创造者，也是个人的受害者和殉道者。
历史上中国画是什么时候停止变化发展的？事物是不断变化发展的，是对过去的移动和发扬，但新的事物包含了旧事物的很多因素。庄子曰:“其分也成功；其成功也毁于一旦。”传统在中国画的发展中一直起着积极的作用。没有传统的东西，就没有研发的基础。在发展过程中，优秀和精华被继承，另一部分被淘汰。“它的成功也毁了。”有自然规律，人们可以在变化的过程中认识和运用。而中国画之所以成为今天的大泼墨大彩，王维、李父子、梁凯、徐渭等都提供了依据。这是具体的，不以人的意志为转移的。——“其分也，是也。”绘画作为一种实践，是有形的、生动的；作为一个概念，它是无形的。有形与无形，无形与有形，在运动的过程中转化，画家可以自由把握，“奇妙地创造自然。”运动的结果，出乎意料，是无形的，不以画家的意志为转移的。心中的竹不是手中的竹，手中的竹不是纸上的竹，纸上的竹也不是心中的原竹。
今天的中国画就是这样一种抽象的形象，无拘无束的泼墨作画，无拘无束的意趣。况且精神和物质自古以来都是个人所有，今天才真正成为社会文化和人类文明。古人或前辈哪一个预料到的？现在有人在临摹汉画像砖，有人在临摹敦煌壁画，有人在临摹民间艺术，有人在临摹儿童画，都是在用不同的方式进行历史反思。也有人高喊“反传统”、“穷途末路”、“合二为一”。中国画向西画靠拢才有未来。还有人喊着“反传统”暗地里攻击传统。中国画和其他传统文化一样，在一定时期被否定，在一定时期被重估；在某个时间被埋葬和毁灭，在另一个时间复活。西洋画也是如此。印象派受到了学院派的强烈抨击。印象主义一直激进地打着反传统的旗号，后来也成了传统。印象派画家之一的德加说:“研究自然是没有意义的，因为绘画是一门传统艺术，学霍尔拜因那样画画？还好有薄R伞，伞，伞，傻磁伞，伞？一点点素质？饺子？小⒏ڄ？⒎⑿ ⑿?划账？砍柴？椤椤v？那顺着急吗？沃沃？这凳子是不是对不起做饭？程娜·希斯？你在做什么?你的军衔是什么？木韵？关系很好？烂文案@献铀担骨架？傻毛茛？浅5-饲料C擅长浅C？瘦！暗郎？呼？春天？瘦j怎么了？ゲ梗？你在开玩笑吗？承担责任？拿着？窗帘嘿？乙炔枪？ナ贝？什么？ィ?你在乎什么？ィ王室是不是患了乙炔病甚至很严重？ィ?坏了皇帝？牧羊人的拥抱呢？ァK？窥探？关于大海？张佳·普里？关于大海？你嫉妒吗？关于骷髅！鲍ā队呢？两个点球？
宗白华说:“中国的绘画方法并不全是描绘具体的物象，而是倾向于用抽象的笔墨表现个性和意境。中国画是一种建筑之美，音乐之韵，舞蹈之姿。它的元素不是机械的写实，比如花鸟画的精致，世界第一。”中国画不是西洋画，先找题材，再找模特跟着画。总有一个被束缚的对象，天地的限制，虽然既是有形的，也是精神的，“意”是不够的。中国画是一个画家在生命体验中欣赏一切，“深入生命节奏的核心”，以自由和谐的形式表达画家最深的意趣的形象。石涛认为他的画不像古人，也不像今人。“我想我画，我在那里。”要说中国画千人千面，没有变化。要横向联系，学习西洋画。也许它不深但不精确。中国画家以“虚心观道”的宇宙观来理解世界，观察万物，写出出窍于胸，寻求一种心灵的解放。西画的境界不同于中国画的抽象具象结构。即使是印象派画家也能非常准确地看到和描述这个物体。梵高和马蒂斯重视线条在绘画中的作用。他们说，“我的灵感往往来自东方艺术”，他们还说，“我的风格是塞尚和东方的影响形成的”。“东方线描展现了一个广阔的空间，而且是一个真实的空间，帮助我走出了素描绘画的范畴”。(印象派绘画史)。马蒂斯和毕加索自己都说是受中国画的影响而改变的。“纵观世界，第一，只有中国人有艺术；二是日本人，其艺术也起源于中国；那么对于非洲黑人来说。”(毕加索晚期创作展序言)他们对线条的运用，始终不如中国画，变化多端，寓意隐晦，内涵丰富。中国画的线条不仅表达形式，而且表达精神和生命的运动，其内容具有广阔的时空哲学。中西画家有各自的世界观，建立了两个独立的体系。近现代前辈都对这两种制度提出了“合二为一”的主张，这也是革命的口号。他们不仅喊口号，而且从事革命实践和苦心经营。另一个有趣的事实是，到目前为止，一个传统还没有被成功地树立为学习的典范，也没有被大力继承。
任伯年最初是学西洋画的。法国著名画家大洋称赞任伯年的作品“多么鲜活的秘密，在这些水彩画中，没有微妙的和谐，在这些浓重的色彩中”。老一辈的粤派画家如杭志英、金梅生等都学习水彩画，而张玉广是推广水彩画最积极的人。吕凤子、陈秋草、潘嗣同、方云、李叔同、张大千等都是从西画起步的，并以中国画的美誉流芳百世。
特点:与西洋画相比，中国画有自己明显的特点。国画不注重透视，不强调自然中物体的光和色的变化，不拘泥于物体的表象，而是强调作者主观意趣的表达。中国画强调“以形传神”，追求一种“美在似与不似之间”的感觉:西洋画呢？它强调“以形写形”，当然在创作过程中，也注重“神”的表达。但它非常注重画面的整体性和概括性。有人说西画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，不无道理。
与西洋画相比，中国画有自己独特的特点，这也表现在它的艺术技法、艺术划分、构图、笔墨和色彩的运用上。中国画按艺术技法可分为工笔、写意、兼笔三种形式。工笔是用一支笔工整细致，一层一层地涂色渲染，细节清晰细致，用极其细腻的笔触描绘物体，故称“工笔”。还有写意？与工笔相比，雄浑简练的笔法是用来描绘物体的形态和精神，表达作者的感情。要有很高的概括能力，事半功倍的含蓄意境，写得准，写得巧，写得得心应手。兼职写作的形式是工笔和写意的综合运用。
从艺术的分支来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大分支，主要是根据描绘对象的不同来划分的。中国画中的动物、鞍马、昆虫、水果、蔬菜可以分别归入这三类。
中国画在构图、用笔、用墨、用色上也有自己的特点。一般来说，中国画的构图不遵循西洋画的黄金律，不是长卷就是竖轴，长宽比例“失衡”。但它能很好地表达特殊的意境和画家的主观意趣。同时，中国画和西洋画在透视上是不同的。透视是绘画的术语，就是在绘画时，把所有的物体都正确地表现在平面上，使其具有空间感和立体感。这种方法叫做透视法。因为透视的现象是近的大，远的小，所以常被称为“远近法”。西洋画一般用焦点透视，就像拍照一样。它固定在一个立足点上。由于篇幅的限制，拍进镜头的东西都会如实拍下，否则就不拍了。中国画不一定固定在一个立足点上，也不受限于一个固定的视界。它可以根据画家的感受和需求，移动立足点进行绘画，将所有可见和不可见的场景吸收到自己的画面中。这种透视法叫做散点透视法或多点透视法。众所周知，北宋名画和张择端的《清明上河图》都采用了散点透视。《清明上河图》反映了北宋都城汴梁内外丰富、复杂、多彩的景象。它以汴河为中心，从遥远的国画到热闹的“虹桥”；观众可以看到城市和乡村；你既可以看到桥上的行人，也可以看到桥下的船只；你不仅可以看到附近的阳台树，还可以看到远处的街道和河港。而且，无论站在哪里，风景的比例都差不多。如果按照西洋画中专注于机器的方法来画，很多地方根本画不出来。这是我国古代画家根据内容和艺术表现的需要而创造的一种独特的透视方法。
笔墨方面，是中国画造型的重要组成部分。使用钢笔强调厚度，缓慢，沮丧，转动，方圆和其他变化来表达物体的纹理。一般来说，起笔和停笔都要用力，手腕要僵硬，中间的气不能断，笔不能轻挑。用笔时，力轻，浮，力重，滑，动作迟缓，用薄，正在用板。要弯如弓，直如尺，这都是用笔的问题。古人总结的钩线十八笔，可以说是中国画用笔的经验总结。至于用墨，则强调揉、擦、光、染的相互作用，干、湿、浓、淡的合理配置，以塑造形体，烘托气氛。一般来说，中国画用墨之美，在于浓淡搭配。一切浓淡都没有精神，都要有浓淡，浓淡要精彩但不停滞，浓淡要婉约但不灰暗。使用墨水也像使用颜色一样。古代有将墨分彩的经验，也有惜墨如金的画风。用墨时，要有一股浓浓的讲生命与和谐的结合，做到浓中有淡，淡中有浓；有强有次强，有轻有轻，都是中国画用笔的灵活方式。因为中国书画在工具和笔触上有很多相似之处，所以结下了不解之缘，古人早就说“书画同源”。但是，两者也有区别。书法多变，尤其是草书，比绘画更胜一筹，绘画用墨丰富多彩，超过书法。笔墨一词被认为是中国画技法的总称。它不仅是塑造形象的手段，而且具有独立的审美价值。
国画在着色上也有自己的讲究，使用的颜料多为天然矿物或动物壳中的粉末，抗风、耐晒，会保持很长时间。着色方式多为平涂，追求物体固有颜色的效果，很少改变光影。
上面说的国画特点，主要是指国画。但是这些特点，随着时代的进步。艺术的内容和形式也在更新，不断变化。特别是“五四”以后，大量西画涌入，中国画以其博大的胸怀吸收了西方艺术的许多技法，丰富了中国画的表现力。但无论如何变化，中国画这个传统民族的基本特征都不能丢，中国画的优良传统要保持和发扬，因为中国画在世界艺术领域有自己独特的体系，在世界艺术百花齐放、万壑难填的艺术花园中独放异彩。中国画是我们民族高度智慧、杰出才华和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。