关于漫画的问题
想知道什么是动漫，不妨从“动漫”一词的由来说起。
卡通是英文“卡通”的中文音译。关于这个词的词源，有两种不同的观点:一种认为它来源于法语单词“carton”；第二是它来源于意大利语“卡通”(cardboard)。
从漫画的词源上，我们可以确切地知道漫画作为一种艺术形式起源于欧洲。在近代欧洲，有两个重要的历史条件推动了漫画的产生:一是资本主义的发展壮大了市民阶层的力量，导致社会结构发生重大变化。其次，自文艺复兴以来，自由开放的艺术理念被社会所接受。这两个条件的相互作用，使传统绘画走下了中世纪的神坛，并日益接近普通人的审美趋向，这就为具有简单性和复杂性的卡通绘画提供了社会基础。同时，作为公民表达自身诉求的一种手段，漫画也被赋予了更广泛的政治内涵。
在17世纪的荷兰，画家的作品中第一次出现了带有卡通夸张的素描轴。以法国人杜米埃(1808 ~ 1879)为代表的讽刺漫画家，将政治漫画发展到了艺术的高度。时至今日，政治漫画仍然是西方流行文化的重要组成部分。
英国在动漫艺术史上有着非常重要的地位，众所周知，英国是最早建立现代议会民主制的国家，也是最早进入工业革命的国家之一。民主政治的建立保障了人民的言论和出版自由，为漫画艺术的发展提供了社会基础；工业革命的兴起引发了报纸出版业的繁荣，为漫画艺术的发展提供了物质保障。
早在17年底，英国报纸上就有很多类似漫画的幽默插画，但由于缺乏专职画师和固定的艺术风格，并不是真正的漫画。随着新闻出版业的繁荣，到18世纪初，出现了专职的漫画画家，英国漫画的风格逐渐定型。与同时期欧洲大陆的幽默漫画相比，英国漫画更立足于社会习俗，善于幽默和暗示。
这一时期在比利时比较有影响的漫画画家有威廉·霍加斯(1697 ~ 1764)、詹姆士·吉尔雷(1757 ~ 1816)、托马斯·罗兰森(1756 ~)。其中，霍加斯的代表作有《浪子回头》和《哈罗德游记》，而罗兰森主要写的是《辛塔克斯博士的人生旅行》。值得一提的是，霍加斯等人的作品不再是传统的单幅画作，而是发展成了一系列相互关联的画作，具有了漫画的雏形。
1841年，著名的《潘趣画报》在伦敦创刊。这本著名的幽默杂志在漫画发展史上占有突出的地位。事实上，正是这份刊物的撰稿人、著名画家约翰·里奇和编辑马克·卢蒙首次正式将幽默漫画命名为“卡通”。同时，这份刊物也是传统漫画向漫画过渡的重要桥梁。在早期的《笨手笨脚》画报上，已经连载了很多类似漫画概念的作品。约翰·里奇绘制的《布里克先生的冒险》有许多漫画的元素。
19世纪末，彩色印刷的出现引发了出版业的一场革命。相应地，彩色漫画开始出现在人们的视野中。
1901年，著名出版商哈姆斯·沃斯在收购多家杂志的基础上，创办了联合出版公司(简称AP)，先后出版了《精灵》、《水泡》、《微笑》、《彩虹》、《老虎蒂姆》、《丛林嘉年华》。另一家出版社亨德森也出版了《趣味无穷》(1906)、《漫画世界》(1909)、《机智语》(1910)、《火花》(1965438+)。其他如leps & Holmes公司出版的《烟火》和Pearson出版的《Grand Journal》都不同程度地参与了彩色漫画的出版发行。这一时期，英国漫画期刊的一个重要变化是，期刊的读者逐渐从成人转向儿童和青少年。AP公司是这一趋势的最大受益者。他们成功推出了“蒂姆老虎”的卡通形象，使其成为孩子们喜爱的卡通明星。其姊妹作品《熊娃娃》也取得了不错的销售业绩。此外，《老虎蒂姆》的作者之一福克斯·韦尔(Fox Weir)还为小虎队·吉莉和《河马小姐》等女孩创作过漫画。
相对于政治漫画和漫画，漫画的发展似乎更加传奇。如前所述，动画艺术是现代影视艺术的重要组成部分，然而在动画和电影的“史前阶段”，二者是一体的。直到摄影术的发明，电影和动画才开始分道扬镳。
1895年，法国卢米埃尔兄弟首次向公众展示了他们的“电影机器”，放映了《火车进站》《海水花园》等电影。现代电影诞生了。然而，第一部动画电影在十年后上映。部分原因是动画片制作成本高。时至今日，动漫仍然是一种需要高投入的文化产品。
1906年，在爱迪生实验室工作的J·斯图亚特·勃拉克顿制作了《滑稽面孔》的幽默相，这也是世界上第一部动画电影。从那时起，来自法国的埃米尔·科尔进一步提高了他的卡通拍摄技巧，并制作了250多部动画短片。同时，他也是第一个用银幕摄影的方法将动画与现实生活表演结合起来的先驱。正是因为科尔对动画发展的杰出贡献，他也被誉为当代动画之父。
另一个对早期动画发展有重要影响的美国人是温索尔·麦凯。他出生在美国密歇根州。早年，他靠为马戏团和受欢迎的剧团画海报谋生。后来，他成了一名报社记者和漫画专栏作家。1914年，麦凯发布了一部故事漫画《恐龙葛蒂》。这部漫画的推出，改变了之前动画作品中纯粹的艺术化倾向，将故事、人物、真人表演组织成互动的剧情，取得了相当不错的效果。格蒂，一只天真的恐龙，已经成为著名的卡通明星。继《恐龙葛蒂》之后，麦凯拍摄了《鲁斯塔尼亚号的沉没》。这是第一部由动画制作的纪录片。
温索尔·麦凯的成功具有象征意义。他基于自己作为漫画家的素养和积累，开创了一种重视人物塑造、故事结构和大众趣味的动画创作新模式。麦凯之后，美国动画师开始走一条与欧洲同行完全不同的道路。一个属于新世界的动漫时代即将到来。
黄金时代的卡通帝国
20世纪上半叶，美国动漫艺术的发展水平处于世界领先地位。毫无疑问，这种领先是全方位的。
早在1840年，波士顿的DC·约翰斯顿公司就出版了一本名为《克里斯帕》的一页画报，这可能是美国最早的漫画作品。此后，随着欧洲移民的不断涌入，原本风靡欧洲的漫画艺术也开始登陆美国。
1880美国报业大亨普利策在他的《纽约世界报》上增加了一期周日特刊，并在其中加入了漫画专栏。此后不久，另一家报业巨头赫斯特公司开始在自己的刊物《纽约杂志》和《美国幽默大师》上定期刊登漫画。这意味着漫画在增加报刊发行量方面的作用已经被广泛认可。上述两大报业部门的强势介入，无疑给美国动画片注入了一针生长促进剂，从此美国动画片的发展进入了快车道。
从65438年到0895年，由著名漫画家R.F.Outcault创作的系列漫画《黄种人的孩子》开始在普利策创办的《纽约世界》上发表。但没过多久，奥特考特就带着“黄种人”去了赫斯特旗下的《纽约日报》。黄种儿童系列的原名叫《霍根的巷子》,故事的主角是一个名叫“米奇·杜根”的孩子，六七岁，穿着脏兮兮的睡衣，头很大。其实这件睡衣一开始就是蓝色的。到了1896年，由于一项新技术的应用，人们可以很容易地把纸染成黄色，杜根也换上了黄色的衣服。后来，Outcault加入了漫画中主角的对话，让大家更容易理解故事的主题。这也让黄种孩子成为了名副其实的漫画。因为“黄种孩子”的形象已经深入人心，精明的商人基于这个形象开发了大量关于“黄种孩子”的周边产品，包括玩具、雕像、广告海报等等。虽然《黄种人的孩子》几经波折，但在第一次出现后的第七年，也就是1902年，《黄种人的孩子》系列终于出版了。需要指出的是，《黄种人》的成功不仅推动了美国动画片的发展，也为漫画作品的商业化运作提供了经典范式。
整个20世纪初，漫画一直在寻找与美国文化的交集。在这个过程中，产生了许多优秀的作品和令人难忘的卡通形象。然而，直到20世纪30年代初，美国动画片的黄金时代才真正到来。
对于“黄金时代”，有这样一段精辟的描述:美国漫画的黄金时代，是超级英雄在廉价画报上胡作非为的时代。众所周知，这一时期产生了很多超级英雄形象，比如超人、蝙蝠侠、闪电侠、水族侠等等。这些超级英雄的共同特点是拥有健美运动员的身材和常人无法拥有的超能力，不断战胜邪恶强大的敌人，拯救世界。其中超人和蝙蝠侠大概是最有代表性和影响力的。
超人的主角是克拉克，一个来自氪星的拥有超能力的外星人。当他还是个婴儿时，他乘坐宇宙飞船从氪星来到地球，被善良的肯特家收养。长大后，他开始发现自己拥有地球人没有的超能力。为了隐藏自己的身份，克拉克从一个偏僻的小镇来到大都市，在《星球日报》做编辑，从而结识了年轻漂亮的女记者路易斯。从此以后，每当城市的安全和秩序受到恶势力的威胁时，总会有一个穿着斗篷和紧身衣的飞行英雄及时出现，拯救那些陷入危机的人。但是，大多数情况下，超人的主要任务是靠英雄拯救美国。
超人系列首先发表在《COMICS行动》的第一期，并迅速在美国流行起来。1939 65438+10月16，超人开始在报纸上连载。到1941，每天有300多家报纸连载超人漫画。而以“超人”为主题的漫画、电影、电视剧在接下来的半个世纪里层出不穷。毫不夸张地说，“超人”已经成为一个时代的象征。
几乎在超人成功的同时，“黄金时代”的另一位超级英雄蝙蝠侠也进入了人们的视线。
蝙蝠侠，原名昆布西，出身显赫的富豪家庭。在他很小的时候，他的父母被歹徒杀害，所以他成了孤儿，由一个管家抚养。长大后，他发誓要为铲除邪恶而战。结果他变成了一个穿着蝙蝠装的假面英雄。消除暴力，惩罚逃避法律制裁的人，是他最重要的使命。
蝙蝠侠的故事最早出现在第27期的《COMICS侦探》中。相比超人，蝙蝠侠是一个没有超能力的普通人，这就是他的魅力所在。蝙蝠侠对抗邪恶的主要工具是各种科技发明，其中最著名的就是万能蝙蝠战车。
在黄金时代的众多超级英雄中，神奇女侠可以说是一个“另类”。这不仅是因为它打破了男性对超级英雄形象的垄断，更重要的是，她的出现彻底重构了漫画世界中的性别秩序，让女性角色不再只是男性英雄的附庸，而是真正成为了主导故事的主角。因此，当《神奇女侠》系列在1941年底在《全明星COMICS》上发表时，受到了众多女性读者的热烈欢迎。
漫画英雄的出现绝非偶然。其实是漫画艺术与美国文化碰撞的必然结果。美国文化的核心就是所谓的个人主义。这是一种崇尚个人奋斗，强调优先保护个人利益的文化。在这种文化背景下，特别是当20世纪30年代的大萧条和二战给美国社会带来严重冲击时，人们欣赏并渴望“救世主”式的超级英雄，并将其视为希望和力量的象征。因为现实世界中没有这样的人物，所以人们转向虚构的世界寻求精神寄托。
第二次世界大战期间，美国的社会经济没有被战争拖垮，反而获得了前所未有的发展和壮大。战争激发的爱国主义成为当时美国文化的主流。于是，漫画中的超级英雄们也纷纷投身于保卫国家，对抗纳粹。《黄金时代》也达到了巅峰。
随着动画片在美国社会的影响力越来越大，美国动画片的发展也逐渐多元化，出现了教育动画片、科学动画片、西部动画片等新题材。与此同时，盲目追求利润最大化的商业炒作，使得美国漫画中的暴力、色情等负面因素激增，一些漫画刊物甚至赫然标着“不适合儿童观看”。于是，动漫产业成为众矢之的，并最终导致了“黄金时代”的衰落。
1945年春天，弗雷德里克·魏斯曼博士的书《引诱无辜》出版了。魏斯曼博士是当时社会上有影响的知识分子，也是政界知名人物。他始终认为“充满暴力和黑暗内容的漫画是青少年犯罪和社会混乱的根源”。虽然事后调查表明，魏斯曼博士的大部分论点都是没有根据的，但这本书的出版迎合了当时主流舆论对漫画行业的广泛批评，因此立即得到了社会各界的支持和肯定。一时间，漫画成了超级禁书，人们常常以谈论毒品的口吻谈论漫画。
1954年4月，美国参议院青少年犯罪调查委员会就漫画对青少年的影响举行公开听证会，魏斯曼博士作为证人出席。他声称:漫画是玷污儿童纯真，造成青少年犯罪的罪魁祸首。相比漫画，希特勒只是小儿科。孩子们从四岁起就经常受到卡通片的毒害。他甚至要求立即禁止销售漫画。
虽然听证会未能得出明确结论，但参议院最终要求出台审查标准，删除漫画中所有可能毒害青少年、败坏道德的内容。这在舆论上其实是“黄金时代”的死刑判决。参议院听证会后不久，漫画出版商于10月26日1954成立了“全国漫画杂志联合会”，并制定了“联合会内部检查标准”，还要求在此后出版的漫画封面上明确注明限制条件。
这无疑是对美国漫画界影响深远的事件。因为这个有点矫枉过正的标准，畅销的恐怖和黑帮漫画几乎销声匿迹；西部漫画中的牛仔也不得不大大收敛，肉搏战、枪战场面明显减少；就连搞笑动物漫画里的“暴力”行为也变得胆小了。许多出版社和漫画书因为发行量锐减而破产，大多数职业漫画家迫于生计压力不得不转行。当然，像《美国队长》的作者乔·西蒙这样的青少年漫画作家曾经很受欢迎，因为没有超级英雄。但是，总的来说，美国连环画行业因此受到了极大的损害。虽然后来有所恢复，但未能重振昔日辉煌。
与美国动漫产业的曲折发展相比，美国动漫产业始终保持着强劲的发展势头。回顾这段历史，我们不能不提到华特·迪士尼和他的迪士尼公司。
其实在华特·迪士尼之前，美国有很多优秀的动画师，但作为后来者，真正推动美国动画产业跃进的是沃尔特。因此，我们有充分的理由认为“华特·迪士尼是动画史上的第一位大师”。
1923年，22岁的华特·迪士尼告别家乡堪萨斯州，前往好莱坞寻求发展。当时好莱坞是一片创业的热土，而此时电影还处于默片阶段，动画片只是电影开拍前的一个趣味节目。在那里，他白手起家，仅用3200美元注册了迪士尼兄弟动画公司。在沃尔特来到好莱坞的那一年，他完成了自己的第一部动画作品——《卡通国度里的爱丽丝》，这是一部由真人和动画角色共同表演的无声动画片。
在好莱坞的最初几年，迪士尼和他的公司逐渐站稳了脚跟，但在1927年，沃尔特遭受了他职业生涯中的第一次沉重打击。这一年，他创作的第一个受欢迎的卡通人物“幸运兔幸运兔奥斯华”被出版公司骗走，公司几乎陷入绝境。愤怒而无助的迪士尼踏上了返回家乡堪萨斯州的火车。然而，就在这次回家的旅途中，一只活泼可爱的小老鼠出现在了沃尔特的脑海里。后来，沃尔特的妻子给这部全新的漫画起了一个响亮的名字“米老鼠”!这就是米老鼠，一个将来会闻名全世界，受到各国小朋友喜爱的卡通明星。
米老鼠的出现无疑给迪士尼提供了一笔巨大的无形资产。然而，为了让米奇和他的伙伴们成为受欢迎的超级巨星，迪士尼还必须有一个新颖的制作理念。新概念的核心是重视剧情的设计和不断创新。
在迪士尼之前，动画片作为普通电影放映前的缓冲节目，往往只注重视觉效果，很少关注故事线的安排。而迪士尼的米老鼠系列，在制作初期就对作品的剧情进行了精心的安排，使得七八分钟的短片非常吸引人。再加上制作精良的画面，迪士尼的漫画一下子甩了几乎所有的竞争对手。
除了先进的创意，对创新的敏感是迪士尼的另一张王牌。20世纪20年代中后期，电影告别了默片时代，有声电影的出现引发了整个电影业的革命。沃尔特敏锐地意识到变化的来临，开始尝试制作有声动画片。1928 165438+10月18作为电影史上第一部有声动画电影，《汽船威利》在纽约殖民剧院隆重首映，并取得了成功。1932年，迪士尼发行了第一幅彩色卡通《花和树》。除了预期的轰动效应，它还为迪士尼赢得了奥斯卡最佳动画短片奖。五年后，1937，迪士尼第一部全动画卡通剧《白雪公主和七个小矮人》上映。这是一部划时代的漫画，具有里程碑的意义。由于这部作品在商业上的巨大成功，迪士尼的制作计划开始向故事片倾斜。随后，1940年，迪士尼公司相继上映了《匹诺曹》和《幻想曲》两部动画长片。其中《幻想曲》被视为现代动画的经典之作，自开播以来广受好评。随着新作的不断发布，迪士尼的动漫明星阵容也在不断扩大。除了米老鼠，米妮、布鲁托、高菲和唐老鸭等新形象也出现在迪士尼的漫画中。随着优秀作品和卡通明星的出现，迪士尼终于在20世纪40年代初确立了其在卡通帝国中的统治地位。
对于整个美国动画产业来说，迪士尼的成功有着巨大的示范和推动作用。由于动画市场的扩大，许多新的动画公司如雨后春笋般成立。此时的好莱坞已经成为美国乃至世界动画产业的中心。范博伦工作室就是这些新兴动画公司中的一员，一批优秀的年轻动画人也聚集在他的旗帜下。20世纪30年代末，这家公司推出了著名的系列动画片《汤姆和杰瑞》，并大获成功。另一个有影响力的动画制作机构是华纳工作室在1934创立的动画部门。其主要作品包括:小猪和豆子、达菲鸭、兔八哥等系列漫画。就像迪士尼的米老鼠一样，他们是著名的卡通明星。
然而，在迪士尼辉煌成功的同时，危机也在悄然孕育。迪士尼公司在成立之初，就以艺术和创作为信条，招募了一大批一流的动画人才。但随着公司的不断发展，迪士尼的艺术风格逐渐固定，迎合观众和市场的需求成为节目制作的基础和前提。更重要的是，迪士尼员工越来越觉得公司的繁荣并没有给他们带来预期的收入增长，不满情绪已经开始在迪士尼内部蔓延。20世纪40年代初，迪士尼公司旗下的动画师开始筹备成立工会，希望与公司高层对抗，争取更高的报酬。但高层的态度似乎比预想的更强硬，这也引发了一场旷日持久的“口水战”。最后很多公司的业务骨干愤然离开，合伙成立了〈美国联合制作公司(UPA)。
尽管经历了许多曲折，华特·迪士尼和他的公司仍然是那个时代无可辩驳的成功。如今的迪士尼已经成为一个世界性的“娱乐王国”，这也从另一个角度证明了华尔特的理想和成功是超越时代的。
总之，在这一时期，美国的动漫产业和动画产业都取得了长足的进步。值得注意的是，在这一发展过程中，围绕动漫产品，美国的娱乐业形成了完整的商业运营体系，实现了动漫发展的良性循环。也正是在这个基础上，“美国漫画”得以实现全球扩张，成为一股不可忽视的文化力量。
二战前后，尽管欧美动漫产品仍占据世界动漫市场的主流，但由于经济社会和流行文化的变化，动漫艺术在全球范围内的发展也呈现出前所未有的全方位、多元化发展趋势。不可否认，新一波动漫产业正在兴起，并将席卷全球。
在美国漫画走上商业化道路的同时，欧洲的漫画家和动画师似乎还在坚守着他们固有的艺术理念。但即便如此，这一时期也不乏经典的欧洲漫画。
在德国，这一时期出现了一位具有世界影响力的漫画家，埃尔-欧-布劳恩。布劳恩原名埃里斯·欧塞尔，出生于萨克森的一个偏远小镇。后来，由于工作变动，Erisi的父亲和他的家人搬到了Fortgrant Mountains的首府Braun。而Erisi之所以用“布劳恩”作为笔名，是出于对这座城市的怀念。从1921到1933，埃里斯以画家的身份发表了大量的卡通画，还为自己的密友、作家埃里斯·卡斯特纳的多幅作品绘制插图。然而，随着纳粹党的上台，德国的社会和政治气候迅速向右转。不满纳粹党的倒行逆施，埃里斯创作了一些以纳粹党为讽刺对象的漫画，引起了纳粹头目约瑟-戈培尔等人的嫉妒。Erisi的漫画一度被禁。
后来，因为《柏林画报》需要一个能画连载漫画的画家，负责此事的著名作家、出版商、编辑库尔特·库森伯格博士找到了埃里希·欧塞尔，希望他能承担这项工作。最后，由于《柏林画报》的积极干预，纳粹当局解除了对埃里希的禁令，但附加了一系列苛刻的审查条件，绝对禁止他的作品中有任何政治内容。
尽管如此，Erisi还是完成了从1934到1937的200多套作品，也就是著名的系列漫画《父与子》。在法西斯横行的年代，这套漫画就像是人性的绿洲，成为德国人民面对残酷现实生活时最好的精神慰藉，从而赢得了很多人的喜爱。父子被视为德国幽默的象征，其受欢迎程度很快就跨越了国界。
1929年，比利时漫画家埃尔热开始创作《丁丁历险记》系列。从那时起直到艾尔热在1983年3月去世，《丁丁历险记》已经完成了二十多卷。1986年，作为艾尔热生前未能完成的最后一部作品，《丁丁与阿尔法艺术》出版，丁丁系列结束。评论界普遍认为丁丁系列的成功应归功于作者充分注意故事主线与现实背景的有机结合，因此艾尔热也被称为“漫画记者”。无论如何，由于结合了纪实风格和幽默的创作元素，丁丁系列成为了漫画史上最杰出的作品之一，艾尔热也因此进入了漫画大师的行列。
当美国动画师在享受“黄金时代”的时候，欧洲动画师还在执着于实验和艺术化的道路。这从他们对同步声音技术的应用就可以看出来。在美国，人物的声音主要用来表现人物的特点和个性；而在欧洲，音效是作为实验的“素材”。事实上，欧洲的动画师几乎已经将动画片中画面和音效的配合发挥到了极致。这些有益的尝试和探索极大地丰富了动画片的表现手法，促进了动画艺术的发展和进步，但动画毕竟是一种需要高投入的文化产品，没有完整产业链的支撑，很难做出一部佳作。随着美国动画片的大规模进入，欧洲的实验动画逐渐衰落。
也许没有人会想到，二战的爆发给了欧洲动画产业一个“回春”的机会。由于大战的影响，原本连成一体的世界动漫市场被分割成几块，客观上刺激了各国动漫产业的独立发展。与此同时，由于许多国家的政府都将动漫作为重要的战争动员和宣传手段，政府投资扶持本国动漫产业发展的局面开始出现。
战时的英国，新成立的“哈拉斯和巴切莱特”动画公司受英国当局委托，制作了70多部动画短片支持战争。这些短片在英国各地的电影院和剧院放映，对激发英国人民的斗志起到了积极的作用。类似的“战争动画”在美国、日本等国家也有出现。战后，虽然不再需要将动画作为战争动员的手段，但它仍然是一种重要的宣传媒介，因此受到了政府和非政府组织的广泛重视。作为一种媒介，漫画被用于公共关系、企业广告、文化教育，甚至政治活动。这让欧洲的动漫产业找到了新的支点。
相比西欧国家，东欧和前苏联的动漫产业虽然有点落后，但是有自己的风格和体系。亚历山大·巴斯金和《布兰帕格姐妹》是前苏联动画产业的杰出代表。其中布兰帕格姐姐在1925完成了《火起来的中国人》，为国内观众所熟知。虽然一些西方评论家认为俄罗斯动画片过于死板，但总体而言，前苏联的动画人从其丰富的文化遗产中挖掘了大量优秀素材，拍摄了许多优秀的动画作品。
我们回美国吧。“黄金时代”末期出现的多样化风格被新一代美国漫画家继承，产生了许多优秀的漫画作品。
1950 10 2月2日，美国著名漫画家查尔斯·舒尔茨开始出版他的《花生》系列。在接下来的50年里，《花生》系列取得了前所未有的成功，被翻译成21种语言，在75个国家的2600多家报纸上发表。这部漫画的主角史努比已经成为一名超级漫画明星，自称在全球拥有3.5亿忠实读者。《花生》的出现标志着美国漫画界新生力量的崛起。类似的成功故事包括吉姆·戴维斯和他的加菲猫系列。
不是全部，你可以看这里:
。org/Info/Show.asp？info _ id = 581513461160418
这是网上的信息。你可以看看。我非常喜欢卡通绘画。我应该说我擅长这个。我平时喜欢漫画。有不懂的可以问我，发消息给我。如果我不懂，大家一起学习吧！弯曲
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