舞蹈教学中如何提高学生的情感表达
近年来，在许多舞蹈比赛中，舞蹈技巧的难度往往被作为衡量舞蹈质量和水平的标准。这就使得很多舞蹈演员只注重技术技能的训练，而忽视了对自身感性能力和思想感情的培养。作为舞蹈专业的大学生，需要在理论上掌握培养舞感的方法并懂得如何进行，深入细致地理解舞蹈作品中的情感内涵，做到理论联系实际，提高自身的舞蹈表现力。在学习过程中，要注意以下几点:一、巩固基本功，提高身体素质，增强艺术感染力良好的舞蹈表现力是以规范准确的舞蹈动作为基础的，所以舞者个人动作的反应速度和协调性是衡量舞蹈感水平的根本前提。培养舞蹈感，离不开扎实的舞蹈基础，高灵敏度和身体各部分动作的协调性。通过规范化的专业训练，逐步增强舞蹈技术和技能的能力，不断提高肌肉组织和关节韧带的协调性。提高身体素质，一方面是训练技巧，另一方面是培养自己动作的准确性，通过舞蹈的所有动作和舞者的配合来体现。俗话说“细节决定成败”，舞蹈表现力的好坏往往是通过手指脚趾的伸展、肢体旋转的方向、屈伸的程度、动作点、线、面的把握等看似很小却不容忽视的细节来展现的。注意每一个细节，动作就会被赋予感情，舞蹈的感染力立刻增强。2.淡化模仿，深刻理解音乐要提高舞蹈中的艺术想象力，在逐渐掌握身体的运动规律后，就要淡化模仿的对象，进一步发展想象力，理解舞蹈中要表达的情感，依靠自己的理解来塑造舞蹈角色。爱因斯坦说:“想象力比知识更重要。因为知识是有限的，而想象力概括了世间万物，推动了进步，是知识进化的源泉。如果我年轻时没有音乐教育，就不会有现在这些科学成就。”可见，注重培养自己的想象力是非常重要的。其实舞蹈本身就有很强的娱乐身心的作用，观众和舞者都可以自娱自乐。每个人对美好的事物都有自己的感知。在动作形成之前，要给予足够的时间去听音乐，去感受音乐，对音乐有独立的感受和见解，在欣赏中把握音乐的意境和情感基调。音乐的情感和美感具有很强的感染力。欣赏音乐的感染力，自觉注意音乐的节奏，把节奏、想象和舞蹈联系起来，让舞蹈在一种松而不慢、紧而不乱、动中有静、静中有动的自由而有规律的节奏中进行。第三，注重表情和肢体语言，讲究“神韵”，加强艺术表现力。在内心感情的培养中，眼神的表达很重要。眼睛是心灵的窗户，它既是了解外界的媒介，也是反映内心世界的镜子，所以要学会“调情”。所谓“观其舞，观其功，观其色，判其貌。”在舞蹈的过程中，舞者的面部表情始终贯穿其中，是整个舞蹈艺术形象和美感的重点。他们只有全身心地投入到舞蹈中，了解舞蹈的要领，注意舞蹈的整体风格，仔细琢磨角色，把自己融入到音乐的情感中，才能做到形神兼备。我们应该深刻认识到，舞蹈动作是为舞蹈的主题服务的，而舞者的脸则是为舞蹈的整个灵魂服务的。我们知道，无论谈论诗歌、绘画、欣赏音乐，都离不开神韵二字，舞蹈也是如此。“神”是舞蹈的内在魅力。我们批评舞蹈动作死板，没有生气，说我们在做动作的“形”的时候，缺乏内在的“神韵”，没有理解舞蹈“形神合一”的境界。除了掌握动作要领，还要精心打磨每个动作的内在“韵味”，不能一味追求动作的难度而忽视“韵味”的培养，只有把握住“神”，才能“形”有生命力。“形不动，神先行，形已止，神无穷”这一公式形象而准确地解释了“形”与“神”的联系和关系。只有综合运用这些舞蹈中的“神韵”技巧，舞蹈才能更具表现力。第四，举一反三，培养综合素质，提高艺术修养。舞蹈不仅仅是狭义的身体律动和舞台上光鲜亮丽的娱乐，更是反映社会文化习俗的一种方式。纵观国内外舞蹈的历史发展，不难看出，舞蹈作为一门艺术，是文化历史的一个入口和载体，通过它我们可以了解不同时空人们的风俗习惯、观念、生活内容和历史境遇。正是因为舞蹈的这一属性，我们必须了解其历史背景、风土人情、创作动机、风格特征、表现手法等。根据这些可以挖掘出舞蹈的思想感情，分析动作的起点和终点，总结作品的情感表达。做到这一点并不容易，需要长期、多方面的积累。除了舞蹈、音乐、美术、影视等艺术学科的学习，还需要涉猎人文、社科、历史等各种文化知识。在日常生活和学习中，通过观看和欣赏舞蹈作品，用心去理解，用感情去表达，可以达到一种潜移默化的效果；接触社会，参加各种社会艺术实践，参加各种演出活动；还可以自己拟定主题，了解背景，找音乐，设计创作，发展自己的个性和特长，培养自己的创作能力，有助于表达感情，增强表现力。古人云:“欲新则刚，欲新则刚。”培养舞感不是一朝一夕的事，而是要通过长期的舞蹈练习来完成。