在线学习画画哪个平台比较好？有哪些选择？
两个？世界那么大，网课那么多。我只说我知道的，这样很安全。其实我听过很多插画机构的线上课，也了解过一些机构。大部分是割韭菜型的。我不喜欢他们的风格。我不会说他们是谁。没必要在网上仇恨。但是有一个老师教的网络课。特别喜欢。很多年前我经常听他的课。他现在一直在谈论这件事。每天晚上8点会有免费的板画插画公开课，会把知识讲解的非常透彻。即使是零基础的学生也能学好，知道是什么，知道为什么。这就是一个优秀老师的价值。想听他课程的同学可以去他的微信(谐音):第一组是w9，后面一组是:卡卡可以把上面两组按顺序组合起来。
其实同学们，如果你刚开始学插画，找个好老师学比什么都强。我以前很喜欢学编程，但是当年教我们的老师就是个棒槌，胡说八道，胡说八道，根本听不懂，导致我们班乱七八糟。最后没有人从事编程，所以好老师是一个很好的起点。反之，就是穷。
没有美术基础的伙伴如何学好插画？1.先讲一个关于发现的故事。
n年前，大家都在用漂亮的照片做UI界面的时候，我拿着自己刚做好的一个很满意的web界面，当时问了朋友一个问题:“如果不是找了那么多好的图片素材，我怎么破？”如果世界上没有这么优秀的摄影师，没有这么好的图片素材，怎么破？我们优秀的设计只是侥幸吗？"
大家都处在“原创”和“版权”的时代。这个问题在我心里很久了:我们设计师的作品有多少是真正100%原创的？直到我重读《世界平面设计史》才发现，早在100多年前，一个海报画家和印刷商或多或少就是一个画家。
因为我一直试图从历史的源头寻找未来的发展，这个细节给了我一个很大的警示，那就是在过去没有摄影或者摄影图片来源不容易的时候，一张海报的设计通常需要创作者一张一张地“画”，也需要创作者自己“画”文字。原来设计不应该是“拼”出来的，而应该是“画”出来的。
这与我们现在使用其字体和高清材料的事实形成了鲜明对比...虽然我们肯定会比以前更快地发表稿件，但我们已经失去了设计师最不应该失去的东西，那就是创作的最初想法。设计师本来应该安排好天空应该是什么颜色，人物应该有什么动作，现在都被摄影师的镜头承担了。设计师其实退化成了一个拣料工+装配工。
其实这个结论很可怕。我们都知道人工智能在未来会取代我们大多数人的基础工作，而选材和组装是一项非常基础的工作。只要看够了，掌握了规则，就能胜任。谁能比机器看得更远？
我们和机器最主要的区别就是我们有情感，所以插画正好可以承载你的个人感受。这个核心就是我能想到的逆向方案:我们无法和机器比速度和效率，唯一的优势只能是我们的想法。
所以，刚开始学插画的时候，我渴望完整的呈现自己的想法。虽然当时很少有使用插画作为素材的界面。大部分插画要么出现在包装设计中，要么出现在有图片的书籍中，但我一直想在UI中使用插画。而我当时一点头绪都没有，在网页中呈现什么样的形式最合适。因为以前前两种插画都是以复杂的画面为主，书籍的插画涉及的儿童书籍比较多，所以当时的插画多是卡通可爱的形象。如果把这些图片用在UI界面上，与当时刚刚开始盛行的扁平化、简约化风格有些不符。
插画的另一个领域是在印象中的游戏原画和CG插画。通常人物都很性感，有助于游戏公司宣传，激发宅男的点击欲望，非常注重写实和跑出。
2.画画是右脑的一种思维方式。
虽然之前学过美术，但是工作后就没怎么接触过了。总想再提笔，但又因为工作不得不打开电脑。尽管有艺术基础，却被冷冻了很久。
素描是基础，这一点大概没有人会不同意。但是如何学习素描是个大问题。很多人大概没有时间和耐心从枯燥的几何入手。网上铺天盖地的课程多是学术性的，系统的学习需要大量的时间。所以这对于996擅长加班的设计师来说是不科学的...
我一直很推崇的一本书是《像艺术家一样思考:五天学会画画》。看完这本书，其实不用那么辛苦练素描也能学会画画，然后画的和学院派一样好。只要找到核心方法，就可以把这个方法运用到任何绘画形式，哪怕是一个涂鸦。
这本书也帮助你理清绘画最基本的概念，比如空间、造型、光影、透视等等。经过这一系列的练习，你不一定能画的很好，至少可以对绘画有一个正确深刻的认识。
我不推荐太多相关资源给大家。其实一本书就够了。在画画的过程中，你会有新的问题，新的问题会释放更多新的答案。你会找到自己独特的学习路径，我只是提供一个起点供你参考。
3.素描与速写:一个输入一个输出。
光影不仅让画面立体，很多初学者对光影也是一头雾水。根据我们平面插画学习社学生作业的反馈。大家的疑问主要集中在:
(1)找不到光源
(2)不知道如何简化光影
(3)忽略光影的颜色
(4)光影细节表达容易出错。
……
(1)通过素描看世界。
事实上，现实世界永远是我们学习灵感的巨大宝库。所以这个也是结合上一步的草图。素描不是教你画画，而是教你观察。
你可以仔细观察一个苹果，然后把它画下来。在画的过程中，你可以体验到从光源入射到苹果表面的光线所造成的光影变化。这些被素描描绘出来的光影变化，成为素描中最基本的五种色调。
画一个苹果的过程就是记录光和物质如何相互作用的过程。在这个过程中，你还会观察苹果表面的颜色和纹理...这些信息串联起来，你得到的不仅仅是一个苹果的样子，而是光在这个视觉世界中是如何工作的。而这是我们需要得出的最关键的信息。
(2)写生生活细节。
光影依然隐藏在生活的所有细节中。如果你没有时间画素描，如果你每天忙着上下班坐地铁，你仍然可以通过观察所有呈现在你眼前的光影来收集信息:比如你老板脸上肌肉产生的光影，日光灯下一杯水的光影表现，你爱人的手指...哪里黑暗，哪里光明，哪里阴影有界限，哪里界限模糊...
素描是一个帮助观察的过程，但是观察可以是任何形式。所以素描可以简化为速写，每天一分钟，快速表达一个物体。下班回家路上便利店买的一盒巧克力，喜欢但没买的一顶帽子，一个人的背景...
草图可以画在A4纸上或餐巾纸上。你可以用铅笔、钢笔等等。不拘泥于形式。
素描和速写，绝对是学习插画的两翼。一个用来帮助你看清视觉关系，一个用来表达你看到的一切。一个输入，一个输出。二者不可偏废。
(3)两种节奏。
开始学画画的时候，要经常练习素描，一天画一幅也不过分。首先你可以画圆形的物体，比如水果。可以慢慢画方形物体，桌子，凳子。然后我会给自己增加难度，比如画一些稍微复杂一点的东西，比如鞋子，房子。
当物体画的差不多了，就可以画人，画植物，画动物，慢慢扩展到室外场景，室内景色等等。人物可以放在最后研究，因为最难。
快半年了，我要保持这种节奏一两天学素描，耐得住寂寞。看着自己的绘画技巧成长，可以尝试开始写生。
速写用的是快速表达的节奏。所以，不能画的很详细，但可以大概的表现出来。速写可以做的很快，所以每天练习十分钟，把出现在眼前的各种场景和事物展现出来，想画哪里就画哪里。一个卷笔刀，一棵树，一座山等等。
这时，在我觉得自己的素描基础稳固之后，就可以减少素描练习的频率，用素描代替速写。素描可以改成一周一次或者半个月一次，而素描可以是每天一点，1~5分钟，以想象场景为主。如果你今天决定画一只老鼠，突然想不起老鼠的细节，可以看一眼老鼠，再观察一下。不要看画，离开对象本身继续画。
最终要达到一个效果:用速写的速度快速表达速写的质量，不用参考物体就能画出光影细节。这个时候可以说基本阶段差不多了，可以缓一缓。但是这个练习应该一直持续下去，永远不要丢弃。
扎根于艺术
其实绘画的形式有很多种:油画、水彩画、水粉画、丙烯画、铅笔画、水墨画、木刻……太多了。但是我们都必须学习吗？当然不是！这里可以参考我的学习路径。
(一)从彩铅到高级水彩
一开始热衷于素描，但是画的时候觉得黑白灰有点枯燥，对色彩很感兴趣。于是，我想到了用彩铅代替素描。彩铅的魅力在于可以采用重叠绘画，尤其是油性彩铅在不同色阶叠加时，效果看起来会比素描更吸引人。
所以我用彩铅代替，但最重要的是看我是不是真的喜欢。在这个过程中，兴趣很重要。因为我是自由职业者，有一段时间，白天接单做设计，晚上坐在桌前练彩铅。
一开始我们主要是用临摹，因为你会发现彩铅和素描，虽然都是铅笔，但还是有很大区别的。等你熟练了，可以试着对着照片画画。学会创造细节，而不是复制它们。
彩铅可以帮助你理解颜色的表达。比如在光影表达中，阴影不仅是暗的，还夹杂了其他颜色:周围光线的颜色，旁边物体的颜色，物体本身的颜色等等。
除了彩铅，我也很喜欢水彩，所以后来开始学水彩。水彩仍然有不同的表现风格，但它的色彩逻辑和彩铅相似，也是慢慢分层，直到最终能表现一个完整的物体。只是水彩看起来更大胆，能更彻底的解构一个物体。
水彩还是为了加强你对色彩的掌控，就像彩铅plus的感觉。所以在我的体系里，水彩是彩铅的进阶课程。
同时也学习了国画，书法等等的艺术表现形式，漫画和线体可以帮助我理解线条表达等等。
(二)手绘不等于手绘板。
可以说，学习任何一种手绘绘画形式，都是一个可以根据自己的口味自由搭配的包。它们虽然和插画没有直接关系，但却能帮助你直达艺术创作的核心，这是任何老师、课程、书籍都无法讲述的，也无法组织成语言传达给你的。
经过这种程度的熏陶，你会真正成为一个创造者，而不是抄袭者。我不会抱怨自己只会临摹，技术我都懂，但是创作起来很难。
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