论歌曲艺术的演唱风格和艺术处理

歌唱是一种听觉艺术，它的艺术感染力最终是通过歌唱来体现的。歌手把音符、人物变成声音的过程，就是一个艺术再创造的过程，也就是常说的“二度创作”。毕竟一首好的甚至是经典的歌曲的诗意和音乐只停留在纸面上，必须由演唱者活灵活现地唱出来，才能让听众充分感受到。因此，作为一名歌手，要从各方面充实自己，提高文化艺术素质，扎扎实实地进行艰巨的艺术再创作活动。

当你拿到一首歌的时候，在演唱的二度创作中要注意以下几个艺术环节:

一、对内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义，即思想感情。理解作品的内涵是演唱的基础。当你拿到一首歌的时候，不要急着把曲子唱出来，而是把歌词背几遍，这样才能了解背景、具体环境和主角的思想感情。一首歌无论是长是短，都凝聚着作曲家强烈的感情，每一个音符都蕴含着作曲家的深情，需要演唱者认真去探索和理解。对作品的理解越深，感受越深，演唱时的表达也就越纯粹、越完美。演员或歌手的文学素养的深浅，会直接影响到他对作品内涵的理解。很多学唱歌的人往往单纯从发声技巧来谈歌唱表演，所以通常接触面比较窄。他们不读小说、绘画、诗歌和音乐，甚至报纸也不常看。他们的眼界不开阔，知识不丰富。这样学唱歌是不可能唱的。如果你对作品的内涵有了深刻的理解，结果就大不一样了，因为只有在理解作品的基础上，你才能表达你的真实感受。

二、意境的想象

意境的想象就是尽可能的激发音乐的想象力。演唱者要根据歌曲的内容和音乐形象，把自己变成自己心目中的一幅动人的画面，一个作家，一个诗人，一个作品的主角。也就是说，作为一个戏剧演员进入角色，需要沉浸在场景中。如果你把一首歌的基本意境和意境想象的非常具体，那么你在表达的时候就会非常真实生动。想象力和意境会很快帮助你树立正确的音乐形象或者歌曲主人公的形象。歌曲主人公形象完整统一，歌曲主题鲜明，让你做到真情实感。当然，歌手的音乐解说能力也非一日之功。是一种生活、记忆、情感的积淀。这种积累越多越丰富，“灵感”就越活跃越丰富。所以作为一个歌手，要经常用眼睛和耳朵去收集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强对生活和人物的理解和想象，从而更深刻地理解作品的内涵。

第三，声音的运用

我们在演唱一首作品的时候，用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和设计的。作为一名歌手，除了要有一副美妙的嗓音，能够驾驭各种声音和音色变化尤为重要，比如面对进行曲时选择雄壮的嗓音，面对圆舞曲时选择明亮华丽轻盈的嗓音，面对摇篮曲时选择柔和甜美的嗓音。在这里，声音也应该有一个想象的过程。比如，对于一首抒情而温柔的曲子，声音可以想象成“柔软的围巾在微风中飘荡”“树叶轻轻落在地上”等声音控制；再比如唱一首轻柔轻快的歌时，声音可以比作“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，要善于调动人声“库”中最合适的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，恰当地表达作品。

第四，对风格的把握

作品的风格或者音乐的风格有好有坏，唱出来的效果差别很大。我们经常听一些个人音乐会。有的人嗓音优美，唱功极佳，但整场演唱会，从中国民歌到欧洲古典艺术歌曲，听起来声线、力度、韵味都不错，而且都是千篇一律，别有一番味道，让人听了就忘，缺乏灵魂的* *声和艺术回味，更缺乏艺术修养和文化素养。造成这些现象的主要原因是演唱者在演唱前没有认真分析和理解作品的时代风格、民族风格、地域风格和个人风格，没有用自己的演唱技巧恰当地表现作品的风格。因此，为了准确地表达作品的内涵，演唱者还必须事先研究作品的风格(即演唱风格)。当然，与其他姊妹艺术相比，音乐的风格更为抽象。音乐是无形的时间艺术，而绘画、雕塑、建筑都是有形的空间艺术，所以它们的风格往往比音乐更容易一目了然。一个歌手的文学修养的深浅，会直接影响到他对作品的理解和对风格的把握，因为风格的形成主要是基于最深刻的理解。一个成熟的演唱者能把作曲家的创作意图和作品的风格特征表现得淋漓尽致，能让音乐的整体意义对听众“一目了然”。

第五，魅力的体现

歌唱的二度创作是一个复杂的劳动过程，对演唱者的要求也是多方面的。一个好的歌手，不仅能准确理解和传达歌曲的意境，还能通过自己的再创作，挖掘歌曲中一些连作曲家都没想到的潜在的东西。一部作品，作曲家是无法提供魅力的，它必须是演唱者自己经历和创造的。好的歌手不满足于乐谱上记录的音符，一定会在音外腔(腔也是韵味)上下功夫，运用得当。你唱好一首新歌后，根据语言的特点和情感的需要，自然会在音调的旋律中加入一些其他的声音，使之具有装饰性、颤音性、滑音性、倾音性等等。唱起来会更感人更自然，会更有味道更有美感。这就是魅力给作品带来的新活力。

六、艺术的处理。

有了歌曲的真情实感，就要对歌曲处理有一个全面的整体思路，包括整首歌的速度、力度、音量、音色、伴奏等。当然，这些想法不是盲目的，也不是武断的。歌曲的结构、风格、调式跌宕起伏，直到节奏和声给演唱者艺术表现的一般灵感。他们能引导歌手内心的情绪，找到整首歌的高潮和歌曲的层次。在演唱中尤其要把握好艺术对比，比如一首歌的叙事和演唱的区别，一首歌中力度和重量的变化，最关键的是要找到歌曲的高点(高潮)和低点。总的来说，要突出高点，就要降低低点，要有一个铺垫的过程，否则强弱都达不到艺术效果。在处理歌曲的时候，点睛之笔往往是一些关键的句子和词语。关键的词要在发音和情感上有所侧重，要一个字一个字的下功夫，甚至一个音一个音的下功夫，反复练习演唱，仔细摸索，找到最合适的表达方式。也就是说，演唱者必须按照他的整体设计反复克服困难，直到他的处理成为真情实感的体现。

七，忘记我的歌声

唱歌的时候要感动观众，首先要让自己处于一种兴奋激动的歌唱状态。“真假”是一种特定的艺术表现手法。“假”是表现“艺术真实”，“假”是表现“真实”的一种艺术技巧。只有真进假出真，才能发挥艺术真实性和表现真实性的统一，发挥艺术感染力的强大作用。所以我们在唱歌的时候，一定要把握好两者的关系，恰当地表现艺术，在平时，我们发现还是有一些人在唱歌的时候高度紧张，前怕狼后怕虎，充满了自私的想法。这样的演唱状态对演唱绝对没有好处，更不用说感动观众了。所以我们所说的“无私歌唱”，就是要求演唱者从思想或声音上抛掉一切包袱，消除一切紧张因素，以一种充满激情、放松的状态进入歌唱。要知道，只有情感得到解放，才能获得自然舒适的音响效果，才能有更完美的情感表达。歌唱的艺术应该是“声与乐”。

八。技术和艺术

技术和艺术，也就是声音和情感，一直是歌唱中有血有肉的两个部分。发音、咬字、吐字、情感表达构成了歌唱的整体，三者密不可分。唱腔是以整个人体作为乐器来从事歌唱的，不是单靠声音、气息或者* * *，就能完成的。唱歌是一种你全身心地参与的表演艺术，不仅是你的全身，更是你的灵魂。歌唱应该是各种因素融为一体的扣人心弦的完美艺术，也就是说，只有把声音和情感与技巧结合起来，歌唱才能达到感人的境界，产生感人的艺术成就。声音和情感是辩证统一的，相辅相成的。无论是专业歌手还是业余爱好者，在平时的训练中，都要加强整体歌唱的意识，同时做到歌唱声音和情感的表达，做到声、词、情三位一体，养成用心歌唱的习惯。

歌曲《慈祥的祖国母亲》的艺术处理和演唱风格

这首歌用凝练的笔触和强烈的感情表达了中国人对祖国的感激和无限忠诚。

整首歌由两段和一个弯曲的尾衬腔组成。第一段由四个乐句组成，主要由词和一词一音的歌曲组成。曲调在中低音区流畅演绎，像唱歌一样朗诵着对祖国深深的爱。第二段开头音调跃升至全曲高潮，随后曲调逐渐下降，表达了人们对祖国的赞美和歌颂，歌曲结尾的口音进一步表达了人们对祖国无比的深情。

关键词:情感、动机、文学语言、二度创作。

《慈祥的祖国母亲》这首歌是一首中国艺术歌曲，所谓的艺术作品都有自己独特的特点。了解了特点之后，大家对艺术歌曲的演唱也就有了更进一步更深刻的认识。

首先，选择艺术歌曲的歌词很重要，讲究深刻的思想、细致的感情和内涵，做到内容和形式的统一。

言语是情感的果实，是智慧的语言。

没有诗人自己的真情实感，就不可能像草木发芽一样自然地唤起人们的* * *声音。擅长写感受的人，会慢慢转向抽象。这个词本身就是一个形象。要做到情景交融，就要一边写“虚”，一边写“实”，否则字的意思就平淡无奇，不可取。

歌词的写作不仅要有诗意，还要适合作曲，符合音乐逻辑。

其次，艺术歌曲的旋律写作应着眼于提示歌词的感情。歌中有词，词中有歌。音乐和歌词要融为一体。无论是抒情的还是叙事的旋律，都要有对音乐历史背景的深刻体会和理解。艺术歌曲的旋律要求非常严格。

作曲家要用高超的作曲技法，用最好的方式写出每一句歌词。没有直接意义的文字无法给作曲者提供想象空间。优美动人的演唱旋律是作曲家对歌词的完美体现和升华。

最后，艺术歌曲的伴奏也很有讲究，一般是钢琴伴奏。钢琴伴奏，无论是简单的还是复杂的，都必须写得非常考究，因为它的作用绝对不仅仅是伴奏的一种形式，更是像歌唱部分一样符合艺术内容的表演。

钢琴伴奏在表现环境和空间、刻画和补充内在形象、与演唱者沟通等方面起着重要作用。二重唱和演唱的有机结合也是艺术歌曲的独特之处。

这首歌是声乐学生练习的必修歌。适合中等水平的男生女生练习唱歌。它是由张宏喜写的，由卢在一作曲。一般男高音部分唱G调，中音部分唱F调。

卢在一(1943——)是一名作曲家。浙江余姚。1953考入上海音乐学院附中，先后学习钢琴和作曲。1962升入学院作曲系，1967毕业后留校任教。1973调入上海京剧院，参与盘石湾十余部京剧的音乐创作。1981加入上海乐团，专业作曲，1985任乐团团长，1988任艺术总监，当选上海市音乐家协会主席团成员，上海歌曲主编。主要作品有《蓝天》、《太阳》、《追求——为女子合唱队和乐队》、《中国》、《我可爱的母亲——为大型合唱队和乐队》、《雨后彩虹》、《管弦乐睡莲》、《南国情怀》、《夜林舞》以及艺术歌曲《祖国》、《慈母》、《桥》等。其作品旋律清新流畅，新意十足，和声新颖，配器精致。

这首歌用凝练的笔触，强烈的感情，表达了中华儿女对祖国的感恩和无限忠诚。

第一，整首歌是两声部的声乐曲目，有总结性的结尾。从大方向来说，两部声乐曲目的演唱风格一般应该是突出前半段的叙事性和后半段的赞美性。一般的两声部声乐曲目中第一段和第二段的情感对比比较强烈。在处理一般的两部艺术歌曲时，要注意第一段的记忆与第二段的现实的比较。这首歌也是。但仔细推敲，还是有很多需要注意的地方，还有大家唱歌时做不到的地方。

1，整首歌的情感要求是中速深情。但这不一样，具体唱法上还是要现场演唱，但整体感觉可以往这个方向控制。

从前奏来看，是“F”的标志，是一种强治疗。所以合作之初大家都是伴奏者是一种准确的感情表达，但也不能太强烈。如果伴奏者一开始就把自己的情绪建立在高度兴奋的基础上，那么在处理歌曲的高潮部分时就会生硬平和，与前奏毫无对比感。所以伴奏者在演奏前奏的时候，要帮助演唱者控制自己的情绪。一般来说，不要太强，一般强就好。

前奏的整体旋律是一个情绪下降的阶段，慢慢地逐渐退去，逐渐地微弱地撤回，使演唱者的情绪回落到一个符合演唱开始的正常的叙事心态:

开头的高音符“a”和前奏结尾的低音符“a”是一个八度的对比，回到原来的速度。用高潮旋律作为整首歌的前奏很常见，但也有它的弊端，就是容易把感情爆发的太狠太快，真正到了歌曲高潮的时候就会不知所措。

2.前奏过后，演唱者进入第一段演唱。从前奏的结束音到开始音的第一个字，完成一个五度的跳跃，旋律特征平和自然，让演唱者难以跑动。一个五度的跳跃自然将演唱者引入了一种深沉的叙事情感基调，所以与其说开始唱得弱，不如说开始唱得慢。

①第一段的演唱部分由三个阶段组成，需要思考前两句歌词:“谁不爱妈妈，用那颗火热的心，谁不爱妈妈，用那颗火热的心”。两句歌词内容相同，但旋律不同，使得第一部分第一段的前两句在演唱的情感处理上有所不同。

②从前两句歌词与旋律的协调性来看:第一句更具叙事性，旋律体现出递进的感情，说明向上的情感基础:

带动了这种情绪基调。逐渐上升慢慢带动歌手的情绪。

(3)进入第二首歌词:同一首歌词，放在不同的旋律中，有不同的感受。这句话有一种落井下石的感觉，深深感叹心中安定的感觉:

这句话的旋律是一种跌宕起伏的感觉，但并没有发泄或放弃的情绪，更多的是一种深沉而负责的感觉。安顿好思绪，准备高潮，为叙事和悼词的对比搭好舞台。

3.高潮的推进。

(1)这是一个渐进的情绪准备过程。高潮部分有清晰清新的旋律展开间奏，采用声音的叠加(或者有时大部分伴奏通过前后推进八度的效果更好)。当这一小段插曲播放时，歌手正在储存感情，等待爆炸性的兴奋:

(2)在进入歌曲高潮时，需要注意的是，间奏时演唱者的感情要随着旋律的递进特征储存在心里。这个时候不要让感情跑掉，否则很难把歌曲的高潮部分唱好。这句话需要足够的气息和略高的头腔位置。唱歌曲的高潮部分时，要用声入情的感觉，这样就不会显得高潮部分过于生硬或突兀。

这句话的强度标记为强治疗。不要一味的尽力去强。只有在稳定中求强，高潮才能演绎的游刃有余。

(3)从旋律上看，情绪爆发后，歌曲的情绪有回落的动力:

旋律跌宕起伏，逐渐回到现实，进入第三阶段的第一部分，而高潮部分是整首歌的歌眼，是整首歌的爆发点，也是整首歌技术性和情感性的一个总体现，简短的旋律，寥寥数语包含了前面的总结，也引出了后面第三阶段主题的继续发展。

4、第三阶段唱法:强度标注为mf中强，此句回落。

(1)保持在歌曲高潮后的余温，比第一阶段强，但比高潮部分弱，直到第三阶段第二句结束，整首歌进入间奏。

(2)在这句话中，演唱速度略加快，要有延续歌曲情感高潮的音调，将第三阶段与高潮连接起来，让整体感觉自然平和地落下，不要有突如其来的感觉。后半句慢慢回落到第一阶段的情感基调:

唱出褪色的符号，直到它们回落到叙述的音调。回到开头的情绪基调。处理要逐渐弱化和放缓，形成二度再创作与间奏的情感对比。为下一个大段的出现做铺垫。

③第一部分演绎完毕，情绪回升，进入间奏部分。间奏的伴奏音型与歌曲高潮的重叠音型相同，上升的旋律再次引出歌曲的前奏(与高潮部分相同)。第一部分表演结束后，伴奏者要帮助演唱者回忆基本的情感基调，并在演唱中与第一部分进行对比。

其次，进入第二部，这一部比第一部更有歌颂性，细节上与第一部相似。旋律和歌词的组合还是符合上面说的方式，但是唱完第一部分之后，经历了一个情绪的起伏，但是整体的内在感情还是没有断。第一部和第二部整体不一样的主要原因是歌词不一样。第二部分更深刻。在第一部的基础上多了一点理性和深思熟虑，拉近了内心与祖国的距离，展现了更多的大气和开放。所以要用一点赞美的深刻和理性来处理。

1，第二部分比第一部分略深更理性:通过比较。(第二段歌词:谁不爱自己的母亲，用那闪耀的美好青春。亲爱的祖国，善良的母亲，蓝天和大海充满了欢乐和忠诚。是我们对你的忠诚。)

①心灵:一个感官词，一直伴随着思想活动。

青春:阶段状态的一个词组，可以通过时间去体会。

②长江黄河:来自祖国范围内的爱。

蓝天和大海:上升到整个世界，整个心态情况的广泛的爱。

③对你的好感:一个感性的词，说明心理状态。

忠诚于你:一个预备词，时刻为祖国做好准备。

从歌词的几个方面可以看出第二部和第一部的内在联系和具体区别，在演唱中可以准确把握第二部和第一部的区别。

2.整首歌唱完，还是余音绕梁。结尾，作者以开篇音“拉”再现了第一部分开头的旋律动机。

3.“二次创作”:

①一定要准确把握词语表达的内涵，区分歌曲表达的内容和类型，这样才容易确定演唱时的心理位置。

有时候在一首歌中，歌手需要同时扮演几个不同的角色，如果事先没有注意，就会造成表演的混乱。

艺术歌曲的词大多是优秀的诗词。在认真研究歌词内涵的同时，一定要对歌词语言的体裁、文学价值、情感内容进行具体分析，必要时把握不同的语言特点突出重点，使每首歌的艺术特色有鲜明的差异。要做到这一点，我们必须反复阅读歌词，体会语言中的文学内涵，这可以帮助演唱者抓住艺术歌曲的重点，从阅读歌词的过程中进一步发展旋律。

选择合适的音色也是艺术歌曲二次创作和表现的要求。音色变化是区分不同类型艺术歌曲的重要方式之一。为了满足歌曲表达的需要，歌手要随时调整自己的音色。

音色的选择和确定往往是演唱者自身审美观点的体现，作词者和作曲者其实已经在乐谱中表达了自己的文学观点。演唱者能否在“二度创作”中准确传达这一观点，一方面取决于演唱者自身的艺术修养，另一方面取决于音色的选择，这也会影响到对作品整体理解能力的深度。

艺术歌曲在创作手法上是不同的，对演唱者要把握的重点也有不同的要求。歌手在选择艺术歌曲时，在声乐演唱技巧和语言能力上都要达到一定的水平，否则在演唱时就谈不到面面俱到。

②开始音A”——“E”歌曲结尾仍然是五度跳跃，“A”和“E”之间的音阶跳跃给我们一种与这首歌曲开头相呼应的感觉。但同样的五度跳跃在结尾对旋律进行了二次再创作。有无限的亲情，也有慢慢的回忆。结尾使用了整首歌开头的动机素材，旋律逐渐向下，让整首歌缓缓结束，陷入无限回忆的感受中，给听者留下想象和对比的空间:

(3)最后一个闭元音“Woo”是声乐技巧中较难掌握的元音，在唱这首歌时“Woo”是逐渐弱化和放缓的。练过哼唱的同学可能处理结尾技巧更人性化，不会生硬不自然的处理结尾。最后一个秋天是总结性的回答，在结尾对最初的情感问题进行了问答，圆满地结束了整首歌，给听者留下了无限的回忆，也让演唱者陷入了一种表达不完整、不完整的深深的感觉。唱完了还在歌里，意犹未尽。

第三，唱这首歌要注意很多技术问题。首先，它是一首中国艺术歌曲，除了自身特定的内在情感之外，完整的表现力需要从各个层面去体会。

1.这首歌有自己特定的节奏，在声韵方面有自己的特点，作者当时的训练目的和训练目标也需要在歌中体现出来。

2.这句话从头到尾每一句的元音都停留在元音“e”上，闭音的做法体现在这首歌第一段的前两句。如果要带着感情表现来唱这首歌，一定要强调演唱者对这种押韵的严谨，节奏稳定，让听者以良好的平静、安静的心态去听。这一方面要通过加强演唱者的普通话练习来实现。

3.注意闭音和开音的协调，做到开合音转换自然、圆润，“字正腔圆”。发音是圆调子的第一步。在转换的过程中，位置、音高、音色等各个方面都要求高度的统一。稍有变化就会影响整首歌的情感告白和表现力。

这一高潮的难度体现在宋的眼里:

这句话中的“亲爱的祖国”一词是一种技术体现。是歌手需要注意的地方。大量开篇音的出现也是这首歌的直观特点。这首歌也是为了练习开音的状态和位置，在具体的歌曲中，将声乐练习的形象翻倍。

元音弱处理的练习也是这首歌的一个考察点。弱处理的应用在体现具体作品中有着特殊的意义，这首歌也不例外。弱唱的完美处理，可以加深这首歌内在感情的表达。

5.歌曲发音要求:对演唱语言的要求非常严格，在标准普通话的基础上进入演唱语言是一种过渡的做法。

歌唱语言在说话的基本状态上更夸张，发音更开放。在开度上，发音声调要突出“人”字。一定要把歌唱语言解释完整。唱完一个词，就要准备下一个词的演唱状态，不要把歌词搞得模棱两可，让听者不知道歌词的语言，影响整个作品的整体处理。

第一句“谁不爱自己的母亲”，在提炼语言元音时要特别清楚:ei和U之间的转换，ei的完整性和U元音的非突发性之间的处理。u和ei，u和e，u和ai之间的转换等等。

把这些元音连接起来:ei到u到ai到zi到e到u到in完成一系列的元音转换，需要对每个元音的练习状态有一个系统的了解。这需要在平时的声乐练习中积累。

完成元音转换。当下一个元音转换没有完成时，不要把注意力放在坏元音上，而是放在前一个元音或通过的元音上。只有这样，整体的节奏和发音才能形成更完整的听觉统一。只有这样，歌曲的感情和演唱状态才能完全统一。

简而言之，当一首艺术歌曲摆在我们面前，我们应该如何看待作品，如何在唱学的基础上完整的表达出来？这些都需要我们从歌曲的不同层面和角度去体验和提炼，直到对作品有更深层次的理解，才能把作品唱到满意的程度。以上都是我自己的看法。如有宝贵建议或不妥之处，请批评指正。我非常感激。