西方艺术哲学史论文
浅析西方造型艺术创作中的哲学思维
学习作为一种独特的文化形式，是对具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和总结，对人类社会和科学文化的发展具有指导作用和启迪作用。人类文明和艺术的悠久历史，自始至终都受到哲学思想的影响。在中国传统造型艺术的实践中，中国传统哲学无处不在。mdash& ampmdash儒道佛的理论精髓，形成了具有东方特色的艺术文化。当然，这里主要讨论的是西方造型艺术的哲学思维和创作。对于西方造型艺术来说，从古希腊的人文主义到中世纪的宗教神学，从文艺复兴时期的人文主义和康德的理性主义到近代的科学主义、结构主义、现象学、法兰克福学派和后现代主义，西方对西方造型艺术的发展产生了深刻的影响。柏拉图的宇宙论和亚里士多德的哲学赋予艺术创作更高的地位。他们认为艺术的创造是模仿自然的创造。认为宇宙的演化具有物质过程的形式，就像希腊雕塑家在一个大理石中呈现人体的形式。所以他们的世界观已经和艺术家的艺术创作差不多了。
巴尔扎克曾说:“你应该先做一个深刻的哲学家，像莫里哀那样，然后再写小说。”如果把他的话稍微扩展一下，就是:“你应该先成为一个深刻的哲学家，然后再从事艺术创作。”这意味着艺术创作和哲学思考有着千丝万缕的联系。
第一，从模仿真理到“改变真理”
从历史上看，哲学作为智慧之学，从一开始就特别重视人生体验和智慧启蒙。古希腊的苏格拉底通过演讲和辩论讲授哲学，他称之为“精神助产术”；柏拉图的雅典学院充满了思考和讨论。亚里士多德和他的弟子们边走边讨论哲学问题，相当“无忧无虑”。中国古代的圣贤也以类似的方式学习和教授哲学。老子的格言警句和庄子的寓言，孔子对弟子的回答，都体现了发人深省、开启智慧的特点。在很多哲学家眼里，“理论是灰色的，但生命之树是常青的”。既然现实生活是鲜活的、创造性的，那么知识与对象的关系就只能是一种协商、对话的关系，而不是主客观单向度的“模仿”关系。另外，任何一种哲学都是为某种价值、观点或利益说话的，当然也会有另一种哲学为某种价值、观点或利益说话。这意味着哲学不仅提供了一种注定如此的生活模式，而且提供了多种多样的生活供人们选择；哲学的对象不是既定的事实，而是哲学正在创造或准备创造的世界。从广义上讲，哲学是创造意识形态、价值体系、建构行为模式和人生意义的艺术。这样的人生哲学就是人的自知之明，是有创造性的。在这里，哲学和艺术已经融为一体。由此我们可以得出一个结论，对物体的绝对模仿并不能产生最美的艺术作品，比如用模具铸造是复制实物的最好方法，但好的铸造作品无论如何也比不上成品雕像。在庭审过程中，书记员可以记录控辩双方的话语，但书记员的速记本身并不是艺术品，最多只能为书写者提供原始材料。画家丹纳用放大镜忠实地描绘人物肖像。他画出了皮纹，颧角上有细小的血丝，鼻子上散布着黑点，表皮下有淡蓝色的血管。他几乎把模特脸上的一切都再现了出来，包括周围的景物都映成了明亮的眼睛！但后人评论说:“凡&；middot戴克的一幅大胆的素描，比戴娜的画像还要有力百倍！”在西方造型艺术的创作表现中，有些作品甚至故意与实物不符。一尊雕像通常只有一种色调，或青铜色或大理石色，雕像的眼睛没有眼球，但正是单一的色调和表情的冷漠构成了雕像独特的美。相反，那不勒斯和西班牙的教堂里的彩衣塑像，圣徒穿着真正的长袍，面黄肌瘦，正好符合苦行僧的肤色；沾满鲜血的双手和被刺穿的腰身确实是受难的标志&；mdash& ampmdash因为它们极其写实，不仅不能给人以美的享受，反而让人恶心想吐。
再者，真正的艺术品更多的改变了真实的关系。例如，米开朗基罗创作了四尊大理石雕像放在佛罗伦萨的坟墓上。在两个男人身上，尤其是在一个半梦半醒的女人身上，各部分的比例明显不同于真人。在意大利，你可以看到衣冠楚楚的年轻漂亮的女人，目光炯炯傲慢的乡下人，画院里慷慨大方的模特，但没有一个真正的男人或女人能像美第奇神庙里陈列的愤怒的英雄和悲痛的巨型圣母。米开朗基罗的典型性是在他自己的性格中发现的。作为一个孤独的、有思想的、热爱正义的人，一个慷慨的、易激动的人，在被欺诈和压迫、专制和不公压迫之后，他伟大的心灵和悲痛在艺术中得到充分的宣泄，米开朗基罗在沉睡雕像的基座上写道:“只要世界上还有苦难和屈辱，睡眠就是甜蜜的。如果你能变成一块顽固的石头，那就更好了。什么也看不见，什么也感觉不到，是我的福气，所以不要叫醒我。啊，说话轻点！”在这种情绪的鼓舞下，他创造了这些身体。为了表达这种情绪，他改变了正常比例，拉长了躯干和四肢，上半身向前方弯曲，眼睛特别凹陷。他额头上的皱纹就像一只长着眉毛和眼睛的狮子。他的肩膀正对着重叠的肌肉，背上的肌腱和脊椎扭曲成一团，紧张得像一根拉得太紧、快要断的铁索。正是由于米开朗基罗在正常比例下的变化，以及他在晶体状态下的动态，才达到了“莫言铁石心肠，热血沸腾”的效果，才使得这组雕塑成为著名的杰作。
二、从一维视角到“透视”
透视主义是当代西方流行的一种重要的哲学方法论思潮，也是后现代思潮的重要组成部分。根据《丰塔纳现代思想词典》中的定义，哲学中的视角“认为有许多可供选择的、互不平等的概念系统或假设系统，每一个都可以解释世界，没有权威的选择方法”。透视主义的根本方法论特征在于放弃了固定不变的观点，主张多元、多面，认为对世界的解释应该是多元、多维的，即多面而不是一元、一维。
三十年后，透视主义的影响并没有随着时间的流逝而消退，而是超越了哲学的象牙塔，蔓延到思想文化的各个领域。一位哲学家曾经用人们对立方体的理解来表达透视主义的思想。他指出:根据定义，一个立方体有六个面，但实际上没有人能同时看到它们，这六个面也永远不可能同时出现在我们面前。当我们说“这是一个立方体”时，实际上它上面的东西比我们此时此地所能看到的还要多。换句话说，如果我们绕着它转，我们会看到其他几张脸。在这里，过去或未来的经验起了作用。出现在我们眼前，给我们提供有意义的东西，永远不可能同时完全揭示它的所有方面。因此，我们必须将现实视为一个不断变化的动态系统，允许并倡导从不同的视角去感知、解释和创造对象。单一性是惯性的需要。
是的，暧昧是智慧的信号。任何视角的感知都无权宣称自己是唯一的真理，因为旧的感知总是包含着被新的感知否定的可能性，而今天的真理也包含着被推翻、成为过去的危险。所以不存在教条主义和怀疑论都认可的真理。真理是在其生成中定义的，是其自身的修正和超越。
在西方绘画造型艺术的创作中，同一题材可以用某种方式处理，也可以用相反的方式处理，也可以用两者不同的所有中间方式处理。因为种族、气质、教育、文化的不同，艺术家对同一件事的印象也不同。个体根据自己独特的视角从中识别出一个与众不同的特征，形成对实物的独特概念。这个概念一在他的作品中表现出来，就为艺术殿堂增添了新的佳作。例如，就文艺复兴时期的意大利绘画而言，源于希腊神话的主题"立达"达到了。芬奇、米开朗基罗和克罗齐都做过。Da & middot芬奇的丽达有一种羞涩的神情，浸透着无限快乐产生的诗意；相反，米开朗基罗的《丽达》充满了强烈的悲剧精神，就像一个威武的战斗部落的女王；克罗齐的《丽达》陶醉在爱情的甜蜜中，流露出对女孩深深的同情。这三幅画中，你更喜欢哪一幅？哪个功能更高级？是快乐的诗意，悲剧的精神，还是深切的同情？从透视主义的角度来看，这三幅画是三位画家从不同的视角对同一主题进行的精湛的艺术处理。这三种境界代表了人性的主要部分，描绘了人类发展的主要阶段，因此它们各具特色，在造型艺术创作中具有重要价值。
第三，从唯一途径到“什么都行”
实证主义哲学非常重视认识的确定性、明确性、严格性和“真实性”，主张一种不分时间、地点的普遍适用的方法，把能否“证明”与对象一致作为区分科学与非科学的唯一标准。但是，任何事物的内容和发展，总是比科学家和方法论者想象的更丰富，更“难以捉摸”。因此，后现代哲学家法耶·阿本德指出，科学不是唯一的思想形式，实证主义所倡导的科学方法也不是唯一的研究方法。人要了解世界，必须用任何观念，任何手段，任何方法。事实上，在人类发展的各个阶段都应该坚持的原则只有一个&；mdash& ampmdash无论你想要什么。一般来说，不管白猫黑猫，抓到老鼠就是好猫。
作为后现代哲学在西方造型艺术领域的表现，后现代美学致力于将造型艺术从形式主义的桎梏中解放出来，为正在兴起的“大众艺术”辩护，强调日常生活的艺术性和审美价值的“无所不在”。在这方面，后现代主义起到了推波助澜的作用。画家奥登堡放弃绘画，将物体粘贴在画布上，魏·索尔曼将真正的地毯结合到他的油画中，这些都只是破坏了艺术创作中的人为界限。
至于艺术品是否与实物相符。艺术中的“模仿论”和“再现论”能否成立，从后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的抨击就可以看出。蒙娜丽莎可以说是画中的临摹之王，但是只有少数人见过原作，现在人们对蒙娜丽莎本人也一无所知，有的只是Da & middot芬奇的第一份“临摹”为以杜尚为代表的后现代主义艺术家攻击《蒙娜丽莎》铺平了道路。杜尚在蒙娜丽莎的鼻子下留了小胡子，下巴上留了山羊胡。由于原来的蒙娜丽莎已经不存在了，而且现代人也没有见过她本人，自达&；middot芬奇的《蒙娜丽莎》和杜尚的《蒙娜丽莎》都是复制品，都是原作的仿制品和复制品。那么，如何判断谁的复制品更真实客观地再现了蒙娜丽莎呢？显然，杜尚这幅变性了的《蒙娜丽莎》是对传统“再现”观念的嘲讽和反叛。安迪middot而沃霍尔的《蒙娜丽莎》则用“三十个不如一个”的绘画标题来传达后现代的信息，即复制或再造不仅早已忘记了“原物”或“出处”，而且已无重要意义。人们的头脑被不断膨胀的信息淹没，没有力量也没有兴趣去承担这些事情，能做的只是重现过程本身。
综上所述，从某种意义上说，哲学思维和艺术创作是很相似的，虽然要创作的东西很不一样&；mdash& ampmdash但都是“艺术”。如果说艺术创作是维持人类感情的创造性，那么哲学就是维持人类思想的创造性。
【作者简介】孙德慧(1972-)，女，河北涞源人，河北经贸大学艺术学院艺术设计系主任，美术学硕士，主要从事美学理论和艺术设计的教学与研究；陈晖(1978-)，女，河北邯郸人，河北经贸大学艺术学院艺术设计教师，主要从事美学理论和艺术设计的教学与研究。
孙德辉和陈晖
摘要:讨论哲学与艺术的关系，人类文明和艺术的悠久历史，自始至终都受到哲学思想的影响。可以说，艺术创作和哲学思考有着千丝万缕的联系。西方哲学中的各种思想流派深刻地影响了西方造型艺术的发展。本文以西方造型艺术创作为基础，从模仿真理到“改变真理”、从单向透视到“透视主义”、从唯一方法到“无论如何都行”三个方面，对哲学思维与艺术创作的关系进行了科学的分析和理论探讨。作者认为，哲学思维和艺术创作虽然差别很大，但都是“艺术”。
[关键词]哲学；艺术创作；接触
哲学作为一种独特的文化形态，是对具体的自然知识、社会知识和思维知识的概括和总结，对人类社会、科学和文化的发展起着指导作用和启迪作用。人类文明和艺术的悠久历史，自始至终都受到哲学思想的影响。在中国传统造型艺术的实践中，中国传统哲学无处不在。mdash& ampmdash儒道佛的理论精髓，形成了具有东方特色的艺术文化。当然，这里主要讨论的是西方造型艺术的哲学思维和创作。对于西方造型艺术来说，从古希腊的人文主义到中世纪的宗教神学，从文艺复兴时期的人文主义和康德的理性主义到近代的科学主义、结构主义、现象学、法兰克福学派和后现代主义，西方对西方造型艺术的发展产生了深刻的影响。柏拉图的宇宙论和亚里士多德的哲学赋予艺术创作更高的地位。他们认为艺术的创造是模仿自然的创造。人们认为宇宙的演化具有物质过程的形式，就像希腊雕塑家在大理石中呈现人体的形式一样。所以他们的世界观已经和艺术家的艺术创作差不多了。
巴尔扎克曾说:“你应该先做一个深刻的哲学家，像莫里哀那样，然后再写小说。”如果把他的话稍微扩展一下，就是:“你应该先成为一个深刻的哲学家，然后再从事艺术创作。”这意味着艺术创作和哲学思考有着千丝万缕的联系。
第一，从模仿真理到“改变真理”
从历史上看，哲学作为智慧之学，从一开始就特别重视人生体验和智慧启蒙。古希腊的苏格拉底通过演讲和辩论讲授哲学，他称之为“精神助产术”；柏拉图的雅典学院充满了思考和讨论。亚里士多德和他的弟子们边走边讨论哲学问题，相当“无忧无虑”。中国古代的圣贤也以类似的方式学习和教授哲学。老子的格言警句和庄子的寓言，孔子对弟子的回答，都体现了发人深省、开启智慧的特点。在很多哲学家眼里，“理论是灰色的，但生命之树是常青的”。既然现实生活是鲜活的、有创造力的，那么，
知识与其对象的关系只能是协商和对话，而不是主观与客观单向度的“模仿”关系。另外，任何一种哲学都是为某种价值、观点或利益说话的，当然也会有另一种哲学为某种价值、观点或利益说话。这意味着哲学不仅提供了一种注定如此的生活模式，而且提供了多种多样的生活供人们选择；哲学的对象不是既定的事实，而是哲学正在创造或准备创造的世界。从广义上讲，哲学是创造意识形态、价值体系、建构行为模式和人生意义的艺术。这样的人生哲学就是人的自知之明，是有创造性的。在这里，哲学和艺术已经融为一体。由此我们可以得出一个结论，对物体的绝对模仿并不能产生最美的艺术作品，比如用模具铸造是复制实物的最好方法，但好的铸造作品无论如何也比不上成品雕像。在庭审过程中，书记员可以记录控辩双方的话语，但书记员的速记本身并不是艺术品，最多只能为书写者提供原始材料。画家丹纳用放大镜忠实地描绘人物肖像。他画出了皮纹，颧角上有细小的血丝，鼻子上散布着黑点，表皮下有淡蓝色的血管。他几乎把模特脸上的一切都再现了出来，包括周围的景物都映成了明亮的眼睛！但后人评论说:“凡&；middot戴克的一幅大胆的素描，比戴娜的画像还要有力百倍！”在西方造型艺术的创作表现中，有些作品甚至故意与实物不符。一尊雕像通常只有一种色调，或青铜色或大理石色，雕像的眼睛没有眼球，但正是单一的色调和表情的冷漠构成了雕像独特的美。相反，那不勒斯和西班牙的教堂里的彩衣塑像，圣徒穿着真正的长袍，面黄肌瘦，正好符合苦行僧的肤色；沾满鲜血的双手和被刺穿的腰身确实是受难的标志&；mdash& ampmdash因为它们极其写实，不仅不能给人以美的享受，反而让人恶心想吐。
再者，真正的艺术品更多的改变了真实的关系。例如，米开朗基罗在佛罗伦萨蒂奇的坟墓上创作了四个大理石雕像。在两个男人身上，尤其是在一个半梦半醒的女人身上，各部分的比例明显不同于真人。在意大利，你可以看到衣冠楚楚的年轻漂亮的女人，目光炯炯傲慢的乡下人，画院里慷慨大方的模特，但没有一个真正的男人或女人能像美第奇神庙里陈列的愤怒的英雄和悲痛的巨型圣母。米开朗基罗的典型性是在他自己的性格中发现的。作为一个孤独的、有思想的、热爱正义的人，一个慷慨的、易激动的人，在被欺诈和压迫、专制和不公压迫之后，他伟大的心灵和悲痛在艺术中得到充分的宣泄，米开朗基罗在沉睡雕像的基座上写道:“只要世界上还有苦难和屈辱，睡眠就是甜蜜的。如果你能变成一块顽固的石头，那就更好了。什么也看不见，什么也感觉不到，是我的福气，所以不要叫醒我。啊，说话轻点！”在这种情绪的鼓舞下，他创造了这些身体。为了表达这种情绪，他改变了正常比例，拉长了躯干和四肢，上半身向前方弯曲，眼睛特别凹陷。他额头上的皱纹就像一只长着眉毛和眼睛的狮子。他的肩膀正对着重叠的肌肉，背上的肌腱和脊椎扭曲成一团，紧张得像一根拉得太紧、快要断的铁索。正是由于米开朗基罗在正常比例下的变化，以及他在晶体状态下的动态，才达到了“莫言铁石心肠，热血沸腾”的效果，才使得这组雕塑成为著名的杰作。
二、从一维视角到“透视”
透视主义是当代西方流行的一种重要的哲学方法论思潮，也是后现代思潮的重要组成部分。根据《丰塔纳现代思想词典》中的定义，哲学中的视角“认为有许多可供选择的、互不平等的概念系统或假设系统，每一个都可以解释世界，没有权威的选择方法”。透视主义的根本方法论特征在于放弃了固定不变的观点，主张多元、多面，认为对世界的解释应该是多元、多维的，即多面而不是一元、一维。
三十年后，透视主义的影响并没有随着时间的流逝而消退，而是超越了哲学的象牙塔，蔓延到思想文化的各个领域。一位哲学家曾经用人们对立方体的理解来表达透视主义的思想。他指出:根据定义，一个立方体有六个面，但实际上没有人能同时看到它们，这六个面也永远不可能同时出现在我们面前。当我们说“这是一个立方体”时，实际上它上面的东西比我们此时此地所能看到的还要多。换句话说，如果我们绕着它转，我们会看到其他几张脸。在这里，过去或未来的经验起了作用。出现在我们眼前，给我们提供有意义的东西，永远不可能同时完全揭示它的所有方面。因此，我们必须将现实视为一个不断变化的动态系统，允许并倡导从不同的视角去感知、解释和创造对象。一元是惯性的需要，多义是智慧的信号。任何视角的感知都无权宣称自己是唯一的真理，因为旧的感知总是包含着被新的感知否定的可能性，而今天的真理也包含着被推翻、成为过去的危险。所以不存在教条主义和怀疑论都认可的真理。真理是在其生成中定义的，是其自身的修正和超越。
在西方绘画造型艺术的创作中，同一题材可以用某种方式处理，也可以用相反的方式处理，也可以用两者不同的所有中间方式处理。因为种族、气质、教育、文化的不同，艺术家对同一件事的印象也不同。个体根据自己独特的视角从中识别出一个与众不同的特征，形成对实物的独特概念。这个概念一在他的作品中表现出来，就为艺术殿堂增添了新的佳作。例如，就文艺复兴时期的意大利绘画而言，源于希腊神话的主题"利达"达到了。芬奇、米开朗基罗和克罗齐都做过。Da & middot芬奇的丽达有一种羞涩的神情，浸透着无限快乐产生的诗意；相反，米开朗基罗的《丽达》充满了强烈的悲剧精神，就像一个威武的战斗部落的女王；克罗齐的《丽达》陶醉在爱情的甜蜜中，流露出对女孩深深的同情。这三幅画中，你更喜欢哪一幅？哪个功能更高级？是快乐的诗意，悲剧的精神，还是深切的同情？从透视主义的角度来看，这三幅画是三位画家从不同的视角对同一主题进行的精湛的艺术处理。这三种境界代表了人性的主要部分，描绘了人类发展的主要阶段，因此它们各具特色，在造型艺术创作中具有重要价值。
第三，从唯一途径到“什么都行”
实证主义哲学非常重视认识的确定性、明确性、严格性和“真实性”，主张一种不分时间、地点的普遍适用的方法，把能否“证明”与对象一致作为区分科学与非科学的唯一标准。但是，任何事物的内容和发展，总是比科学家和方法论者想象的更丰富，更“难以捉摸”。因此，后现代哲学家法耶·阿本德指出，科学不是唯一的思想形式，实证主义所倡导的科学方法也不是唯一的研究方法。人要了解世界，必须用任何观念，任何手段，任何方法。事实上，在人类发展的各个阶段都应该坚持的原则只有一个&；mdash& ampmdash无论你想要什么。一般来说，不管白猫黑猫，抓到老鼠就是好猫。
作为后现代哲学在西方造型艺术领域的表现，后现代美学致力于将造型艺术从形式主义的桎梏中解放出来，为正在兴起的“大众艺术”辩护，强调日常生活的艺术性和审美价值的“无所不在”。在这方面，后现代主义起到了推波助澜的作用。画家奥登堡放弃绘画，将物体粘贴在画布上，魏·索尔曼将真正的地毯结合到他的油画中，这些都只是破坏了艺术创作中的人为界限。
至于艺术品是否与实物相符。艺术中的“模仿论”和“再现论”能否成立，从后现代艺术家对《蒙娜丽莎》的抨击就可以看出。蒙娜丽莎可以说是画中的临摹之王，但是只有少数人见过原作，现在人们对蒙娜丽莎本人也一无所知，有的只是Da & middot芬奇的第一份“临摹”为以杜尚为代表的后现代主义艺术家攻击《蒙娜丽莎》铺平了道路。杜尚在蒙娜丽莎的鼻子下留了小胡子，下巴上留了山羊胡。由于原来的蒙娜丽莎已经不存在了，而且现代人也没有见过她本人，自达&；middot芬奇的《蒙娜丽莎》和杜尚的《蒙娜丽莎》都是复制品，都是原作的仿制品和复制品。那么，如何判断谁的复制品更真实客观地再现了蒙娜丽莎呢？显然，杜尚这幅变性了的《蒙娜丽莎》是对传统“再现”观念的嘲讽和反叛。安迪middot而沃霍尔的《蒙娜丽莎》则用“三十个不如一个”的绘画标题来传达后现代的信息，即复制或再造不仅早已忘记了“原物”或“出处”，而且已无重要意义。人们的头脑被不断膨胀的信息淹没，没有力量也没有兴趣去承担这些事情，能做的只是重现过程本身。
综上所述，从某种意义上说，哲学思维和艺术创作是很相似的，虽然要创作的东西很不一样&；mdash& ampmdash但都是“艺术”。如果说艺术创作是维持人类感情的创造性，那么哲学就是维持人类思想的创造性。
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