讲解写意
中国画的一般特征
用几句话简洁地回答以上问题并不容易。中国画有着悠久的历史。它适应中国的文化土壤而生根开花，在立意、构图、技法、程式化表现上都有自己的特色。这些特点正是目前中国画论者正在讨论和总结的。这里有几个例子。
一、重在立意，有答案——中国画的立意
在中国画的创作中，立意是第一位的，很多绘画理论家首先强调这一点，无论是画山水、人物还是花鸟。
唐代张彦远在《历代名画笔记》中写了一段关于“六法”的话:“丈夫的形象要塑造，塑造要有骨气。”骨干也差不多。一切源于大意，取决于笔端。“他相信意图就是目的。只有在绘画中，才会有变态和奇异的意义。
华光，宋代著名的画梅花的和尚，被称为钟仁。作为华光作品流传下来的《画梅指》中，有一段“画梅全”，开头是“画梅全，生意第一”。清代放勋写了《静山论画》。在这里，他还强调了构思与绘画的关系。他说:“作画首先要明确自己的定位，意为奇，意为高，意为远，意为深，意为古。”他认为平庸的画才会平庸，庸俗的画才会庸俗，因为画缺少了画家最珍贵的“立意”，所以作品平庸。
文艺复兴时期的意大利画家达芬奇也有类似的经历。他曾经说过，“一个画家应该描绘两个最重要的东西，人和人的思想和意图。”这与我国晋代人物画家顾孝之提出的“妙而密”的思想非常一致。
“意义”从何而来？一是画家对现实生活的丰富观察和充分积累的创作经验；还有一点就是画家的自身修养，这样在创作之前，画什么，怎么画都已经在脑海中形成了一个成熟的想法。
宋代画家文被别人称赞为“胸有成竹”，即他在动笔之前，脑子里就有了竹子的形象，准备动笔了。“‘有计划’已经成为我国称赞的善于计划和安排事情的成语。
在张彦远提出“立意”这个概念之前，南方生产时代的谢赫就有了“创意”和“立意明确”的理论。创意画不落俗套，立意精准，借景而居，笔画少但寓意多。从这个意义上说，作为一个画家，不仅要在平时注重练笔，磨砺个人的表现技巧，更重要的是，要认真加强练意的技巧。值得注意的是，很多画家往往只注重练笔而忽视练意。
二、用线造型来表现精神——中国画的造型法则
中国画是以线的形式，通过线来画出轮廓、肌理和体量。德国诗人歌德说，艺术用光来表现其生动的表情，可见光是西方绘画中的造型手段之一。而中国画以线条造型为主，在造型手段上明确区分了中西绘画。但是，这并不意味着西方绘画完全拒绝线条的使用，而是光线可以作为绘画的主要语言。法国罗丹曾强调“一条规定的线贯穿宇宙”，指的是造型艺术是如何脱离宇宙的，并没有把它作为绘画的主要表现手段。而国画，却积累了非常丰富的线型，巧妙地刻画出各种形象，无论是山川的断纹，还是衣服的线条。
“以形写神”是晋代画家顾恺之的一句名言，奠定了中国艺术神优于形的审美观。它与欧洲现代的审美观有很大的不同，欧洲的审美观是纯抽象的，即画人不仅是形似，更是神似，画人的精神面貌，不止步于形的模拟，不拘泥于自然的真实。这一理论是艺术家在建立艺术时应该努力达到的高度，在这一理论的指导下，历代出现了许多刻画生动的优秀作品，成为指导绘画的重要标准。
三、多点透视计白为黑——中国画的构图法则
中国画既用焦点透视，又用散点透视，既严格坚持实景空间和布白，又根据构图的需要打破实景空间和布白，使物体出现在画面中时，能根据画面上物体的艺术需要改变形象，改变位置。低于视地平线的牡丹花也可以放在朱平线以上，以达到最佳的透视效果。
中国画特别注重对留白的管理，往往借用书法的手法，以白为黑，即没有画的部分要像有画的部分一样仔细推敲和处理。
四、色彩与阶级的和谐——中国画的色彩法则
中国画的色彩不受光源冷暖色调的限制，更注重物体本身固有的色彩，而不是强调特殊光线下的条件色。在给一个物体作画时，赋予它基本的色彩，达到色与物、色与线、色与墨、色与色的和谐。
五、情景生动传神——中国画的意境
中国画要求笔墨、情感、景物的结合，现实中无限丰富的场景，画家有很强的形象感染力。有了这种感觉，画家激起了描写这些场景的激情，于是作品以场景的复制品的形式再现，将场景融合在一起。
至于气韵生动，即画家所创造的艺术精神，不同于一般的素描绘画，应该是生机勃勃，清新活泼，具有诗情画意，使观者神往。如果没有表现出如此生动丰富的内涵，当然无法给人这些感受，也达不到中国画那种令人神往的意境。
六、诗歌、书法和绘画、印刷纸和笔——中国画的独特形式
可以说，只有中国画才能有题字盖章的做法。不仅文人画可以在诗词书画中展现自己的绝活，就连普通的画也总是需要题字盖章，才能有浓郁的传统艺术气息。
题跋和诗词可以提高或补充观者对作品的欣赏和理解，也可以丰富结构的变化，起到相互映衬、相得益彰、点缀和平衡构图的多种作用。
中国画的工具和材料的表现也决定了中国画的特点。中国画用绢和纸作画，尤其是生宣纸的出现，充分发挥了笔趣和墨色。宣纸的通透性和毛笔的尖锥使笔尖变化无穷，产生奇妙的效果。同时也形成了各种模仿和描写，绘画和笔法。
从素描到写意
国画之初，以临摹为入门手段，逐渐勾勒出物象。然后转向写意，不仅是写意，还有工笔细致的工笔画，工笔画也有它的写意元素。因为中国画在描绘物象时，无论是对于工笔还是写意，其处理手法都是写意的，不是简单的复制一遍，而是力求取其精华而忘其粗糙，化繁为简，对物象有高度的提炼和加工，重在内在的理解而不是光和色的逼真表象。
根据董其昌的记载，许多著名的山水画家都以真实的山水为题材创作作品，如“李思训写海外山，马援夏贵写钱塘山，赵武星写薛莹山，黄子久写于海山”。后人看这些画，觉得既是写生，又是写意；向自然学习，不被自然现象所困。以黄子久的《富春山居图》为例。作者以富春山为背景，不是富春山的环境地理图，而是黄子九的理想化境界。
由此可见古代画家是如何认识和表现自然界的各种意象，将实物变成艺术形象，并逐渐使之规律化、程式化的，同时也可见其丰富的表现手法。
对比《芥菜籽中国画传》和其他绘画作品，对比历代画家对这一方案的运用，读者可以感受到中国画从自然生态向艺术形式转变的过程，如何加工和总结。由此也可以了解从写生到写意的处理手法，从技法上掌握中国画的造型特点。
突出主题
明代王克玉在《珊瑚纲》中说:“古人画的画，寓意深刻，落笔都有自己的主人。”“主人”也是主题。突出主题是艺术创作的一个特点。一个主题思想一旦形成，你就可以决定用什么主题来表达，然后决定材料的选择，甚至决定作品的标题，采取什么样的表达方式，这一切都取决于主题表达的是什么。像唐代颜的名作《萧艺挣兰亭记》(传)，这个故事有很多曲折，但颜在画中选择了意图“有意、诡诈、骗人”和口才“无意、善良、被骗”两个典型情节来突出主题。主题突出在“赚”字上，其他细节都有所简略或概括，完全符合《法书》对这一事实的描述。
在国画创作中，找到一个好的题材，并不意味着每个人都可以突出主题。如果只求人物描写生动，或求画面变化丰富，或直接描写，都不能算是突出主题。作者只从中国画艺术特有的规律和表现手法中考虑应该突出什么，善于根据中国画的形式概括主题，确定主题，利用人物的刻画和细节的组织来烘托主题，使观者不用从画面中解释就能明白画家的意图。那么郭认为呢？quot画画的时候，命题是上品，没有题目就没有画。"
在主题明确的情况下，我们也要给作品起一个最合适的标题，大多数情况下，应该是在屏幕上。标题要简洁有意义，也可以直接揭示主题或暗示主题的意思，做到画龙点睛。
积累材料
文艺工作者在生活中需要积累大量的素材。作家用文字，画家有时也用文字，但主要还是用画笔素描。画家在接触自然景物、花草、人物时，要时刻以素描为记录，随时用画笔收集观察到的对象。像画家齐白石，对于各种小生。生理结构已经观察了解的很仔细了。坚持下去，也锻炼了艺术家观察生活和造型的能力。
鲁迅先生提到，“作者必须每天在室外或室内练习速写，才有进步。在外面写生最有利。”
从生活中记录下来的原始素材，和开采出来的矿石一样，也是活水的源头，无限生动丰富。比起拍照、抄画报得到的素材，亲切而深刻。在深入探索自然景物和人物的实践中，积累大量素材，同时构思新的绘画题材，会引起无休止的交流。
主题类型
主题不同于材料，材料是冶炼出来的矿石，主题是从大量的材料中最适合表达某个主题的材料。如果选材不精，所要表达的内容就会失去显著性和典型性。
用一个通俗的比喻来解释流派，就像根据不同的体型来剪裁不同的风格。比如用小画册流派做大型壁画就不合适。再比如前面提到的《萧艺挣兰亭》，用人物画的体裁比较好，而《万里长江图》当然用山水画的长卷形式更好。而各种咏梅的诗画，用花来惊嘴再合适不过了。
在人物、山水、花卉等形式和流派上，有工笔、写意、重彩、水墨画等不同。确定了画的主题后，作者要从内容入手，再考虑要用的体裁。如长或短，是用大场景还是特写笔。
两项基本技能
1.在中国画的形成过程中，有许多传统的表现手法。要掌握这些方法，一个常用的方法是:陵寝以前的作品和老师的图纸。七尺画师王实谷临摹宋元大家，都有相当的造诣。经过几十年的临摹和历练，他觉得自己对青山绿水已经有了充分的把握，这一点在临摹一章会有详细的论述。
二、生活中丰富的环境是画家最生动的绘本，画家要在生活中不断磨练自己。中国画一直强调以自然为师。只有从这个丰富的宝藏中，我们才能开发艺术宝藏，从大自然中获得灵感，并收集广泛的材料。
两种基本功相辅相成，缺一不可。他们只是抄袭前人的手稿。时间长了，他们就失去了独立创作的能力。如果只靠写生，往往会失去传统的笔法。
画家有了很好的临摹国画的基础后，生活才是最重要的。清代画家石涛说“笔不是没有精神的生命”，在一个房间里苦苦思索是不好的。缺点是没有自己收集的形象，对人物的性格和精神面貌一无所知，这个形象就会概念化。相反，当你画出生活中最熟悉的人物时，一旦闭上眼睛，人的精神气质、声音、面容、笑容都会生动得多。
以画家为例。工人和农民虽然都是劳动者，但性格气质不同，需要生活中的默默打磨才能脱颖而出。画山水、花鸟也离不开实地考察、写生和体验。当然，作为一个艺术家，除了笔墨和生活基础之外，人品道德的培养也是不可忽视的。过去人们习惯说书如其人，画如其人，也就是一个画家的品格和修养，往往在笔下自然流露。
清代王兴在《东庄画论》一书中写道“学画者，先作其品贵”。清代沈宗淳在《周琦薛华辨》中说:“文风如人品高”，“心画形，人之恶分”。足以说明，书画评论家除了对画家的艺术水平，还要对画家的人品、品德进行综合分析。只有艺术素质高的画家才值得人们学习和尊敬。