摄影基础知识？
英语中的摄影一词来源于希腊语φ ω？Phos(光)和γ ρ α φ ι？Graphis(绘画、绘图)或γ ρ α η graph η，合起来就是“用光绘图”的意思。指的是用一些特殊的设备来记录图像的过程。一般我们用机械相机或者数码相机拍照。有时摄影也叫照相术，即利用物体反射的光对感光介质进行曝光的过程。有人曾说过一句精辟的语言:摄影师的能力就是把日常生活中稍纵即逝的平凡事物转化为不朽的视觉影像。
摄影，俗称照相，是用照相机在底片上成像，并将底片打印成单张照片，一张一张地永久保存。但照片的形象是静止的、无声的，只是让人观看它的人物和意境，进而理解它的意义。
今天，世界上现存最早的照片可以追溯到1827，出自法国人约瑟夫？尼普之手。
曝光过程
拍照时，光线通过一个小孔(更多情况下是一个透镜组)进入暗盒，在暗盒背面(相对于光的入射方向)的介质上成像。根据实际的光照强度和介质的感光能力，所需的光照时间也不同。在照明过程中，介质受到光的照射。
后期制作
摄影完成后，存储在介质中的图像信息必须通过转换再次被人眼读取。具体方法取决于感光手段和介质特性。对于胶片相机，会有定影、显影、放大等化学过程。对于数码相机来说，需要处理器计算数据，然后通过电子设备输出。
使用的设备
一般来说，人们用可见光拍照，相机是最常用的。因为场景和用途不同，相机有很多分类。一般来说，一台相机要保证曝光过程，必须有几个基本部件，包括:感光介质、成像镜头、曝光时间控制机构、胶卷暗盒、存储介质。
纪实摄影
摄影是为了记录而诞生的。它诞生后强大的生命力恰恰在于它的记录功能。这是其他技术或艺术无法比拟或无法替代的。所以，广义来说，摄影就是记录。
艺术摄影
随着摄影的发展，人们不断在摄影中加入艺术元素，开始产生艺术摄影。它和纪实摄影的区别在于艺术性的高低，但没有绝对的界限。比如我们拍张照片当身份证，或者留个纪念。一般影楼拍出来的照片，最多有一些信息或者记录价值。然而，50年后的今天，郑靖康先生为齐白石先生拍摄的画像仍然是世界上20幅最好的画像之一。区别完全在于艺术层面。
图片摄影
写真摄影以其优美的画面语言和优美的设计内涵，一直是人像摄影的重要表现形式。自从摄影术发明以来，可以说写真摄影一直贯穿其中，在摄影史上起到了几个里程碑的作用。19世纪下半叶，英国摄影师兰达拍摄了两条人生道路的照片，曾被预言为“摄影的新时代即将到来”。在当时摄影还被轻视的情况下，这幅作品因其鼓舞人心的主题和油画构图而受到维多利亚女王的高度赞扬。可以说，兰达在推动摄影被认可为一门艺术方面贡献良多，从此，写真摄影逐渐成为摄影的一个重要流派。
全息术
全息摄影是指一种新的摄影技术，它记录了被摄物体反射波的振幅和相位的所有信息。普通摄影记录的是物体表面的光强分布，而无法记录物体反射光的相位信息，因此失去了立体感。全息术以激光为照明光源，将光源发出的光分成两束，一束直接射向感光板，另一束经被摄体反射后射向感光板。两束光在感光板上叠加产生干涉，感光板上各点的灵敏度不仅随强度变化，还随两束光的相位相关而变化。因此，全息术不仅记录了物体上的反射强度，还记录了相位信息。当人眼直接看这种感光底片时，只能看到像指纹一样的干涉条纹，但如果用激光照射，人眼就可以透过底片看到原被摄物体的三维图像。即使全息图像只保留一小部分，它仍然可以再现整个场景。全息术在工业上可应用于无损检测、超声全息术、全息显微镜、全息存储、全息影视等许多方面。
1.绘画摄影
如画摄影是二十世纪初在摄影领域蓬勃发展的一个艺术流派。它起源于十九世纪中叶的英国。
这一派的摄影师在创作中追求绘画的效果或“诗情画意”的境界。它经历了三个阶段:模仿阶段；崇尚优雅的舞台；艺术舞台。
画家提出“要出摄影的拉斐尔，摄影的提香。”
绘画摄影经历了漫长的发展时期。第一个绘画摄影盘是英国画家希洛(1802-1870)。他擅长人像摄影，作品结构严谨，造型优雅。1851到1853这段时间是绘画式摄影的成长期。1869年，英国摄影师HP Robinson(1830-1901)出版了一本关于摄影的如画效果的书。他提出:“一个摄影师必须有丰富的情感和深入的艺术理解，才能成为一个优秀的摄影师。毋庸置疑，摄影技术的不断进步和不断发明激发出更高的目标，这足以让摄影师更加自由发挥；但是技术的进步不等于艺术的进步。因为摄影本身，无论多么精致和完整，都只是通向更高目标的一种腰带。”为这个学派奠定了理论基础。
1857年，奥格·雷兰德(1813-1875)创作了由30多张底片组成的文艺复兴风格的作品:两种生活方式，标志着绘画摄影艺术的成熟。
这一时期的作品大多充满宗教色彩，包含一定的隐喻。拍摄时，事先做好草图，然后利用模型和道具组织安排场景，通过暗房处理。追求照片画面的绘画效果。
随后，绘画式摄影的内容有所拓展，但风格仍崇尚古典主义，造型和构图仍有学院派的规矩，所以显得节俭、厚重、典雅。
当流派发展到绘画阶段，仍然以追求情感美、意境美、形式美为特征。
因为画家强调艺术修养:“要想让摄影在艺术中有地位，摄影师首先要培养审美能力，培养艺术修养。”因此，它的历史功绩是将摄影从最初的机械模仿对象引导到造型艺术领域，促进了摄影艺术的发展。
由于绘画创作大多脱离现实生活，摄影器材日臻完善，人们对早期美的兴趣不断发展，受到“自然主义”的冲击，尽管如此，它在今天的摄影艺术殿堂中仍有一席之地。
这个流派的主要摄影师和作品有:Pledge(？-1896)男爵的宴会，鲁滨逊漂流记，宝塔场景；罗宾汉的《当一天结束的时候，秋天，两个小女孩，快死了，朱丽叶带着毒瓶，黎明和日落》；雷兰德·施洗者，圣约朝霞、伊菲、弗吉尼亚、尤迪特和霍洛芬尼斯的首领；卡梅隆夫人(1815-1897)的托马斯·卡莱尔和奈达(1820-1910)在弥留之际。
2.印象派摄影
65438年至0899年，法国印象派绘画的第一次展览在英国举行。在画家罗宾逊的影响下，他提出了“软调摄影比锐调摄影更美”的审美标准，倡导“软调”摄影。这一流派是绘画印象主义在摄影领域的反映。
起初，他们用柔焦镜头拍摄，用编织纸冲洗和印刷，追求一种模糊的艺术表现效果。随着“溴化银显影法”和颜料中掺有重铬酸盐胶的纸张显影法的出现，印象派作品从镜头成像的控制发展到暗室处理。他们提出“作品应该看起来完全不像照片”，“如果没有绘画，就没有真正的摄影。”
在这一理论的指导下，印象派摄影师也用画笔、铅笔、橡皮对画面进行处理，刻意改变自己原有的明暗变化，追求“画”的效果。例如，拉克罗亚创作于1900年的《扫公园的人》就像是在画布上绘制的炭笔。印象派摄影师完全丧失了自己摄影艺术的特点，所以有人称之为“模仿派”。可以说是绘画摄影的一个分支。
这一流派的艺术特点是色调灰暗，阴影线条粗糙，装饰丰富，但缺乏空间感。它的著名摄影师是杜马斯(？-1937)、普越(1857-1933)、邱恩(1866-1944)、瓦特塞克(1848-1903)。1871-1937)、涂尔干(1848-1965438)、埃夫雷(1874-1948)、米尊。
3.写实摄影
写实摄影是一个有着悠久历史的摄影流派，延续至今，仍然是摄影的基础和主要流派。是写实创作方法在摄影艺术领域的体现。
这一流派的摄影师在创作中坚持摄影的纪实特征。在他们看来，摄影应该有“与自然本身平等”的忠诚。只有画面中的每一个细节都具有“数学准确性”，作品才能发挥出其他艺术媒体所不具备的感染力和说服力。a .斯蒂格利茨曾说:“只有讨论忠诚才是我们的使命。”另一方面，他们像客观的镜子一样冷冷地、纯粹客观地反映对象，主张创作要有选择性，艺术家对反映的东西要有自己的审美判断。著名的现实主义摄影师刘易斯·海恩曾经说过这样一句名言:“我要揭露那些应该被纠正的东西；同时也要反思那些应该表扬的东西。”可以看出，他们主张艺术应该“反映生活”的观点。他们敢于正视现实，创作题材大多取自社会生活。艺术风格朴实无华，却有很强的见证力和提示力。
写实摄影最早的爱好是1853年英国摄影师菲利普·德拉莫特拍摄的火棉胶纪录片。后来是60年代末罗斯·芬顿的战地摄影和威廉·杰克逊的黄石奇观。1870之后，写实摄影逐渐成熟，开始将镜头转向社会和生活。比如当时的摄影师巴纳多博士，拍下了流浪儿童的悲惨境遇，让人震撼。
写实摄影爱好因其巨大的认知功能和非凡的号召力，逐渐在新闻领域占据了自己的位置。20世纪90年代，美国摄影师雅各布·里斯(Jacob Rees)关于纽约贫民窟生活的作品是这方面的奠基之作。
随后，现实主义摄影家大量涌现，他们的作品在摄影史上以强烈的真实性和深刻性著称。比如英国勃兰特的《采煤者》；美国人r·卡帕的《过世的法国女人被剃光头发游街示众》；法国维斯的《少女》等等，不胜枚举。
4.自然摄影
1899摄影师彼得·亨利·埃默森针对绘画式创作的软肋，发表了题为《自然主义摄影》的论文，抨击绘画式摄影是碎片化的摄影，倡导摄影师回归自然寻找创作灵感。他认为自然是艺术的起点和终点，只有最接近自然、最像自然的艺术才是最高的艺术，他说没有任何艺术比摄影更准确、细致、忠实地反映自然。“从情感和心理上来说，摄影爱好的效果在于感光材料记录的不加修饰的镜头场景。”该学派的另一位大师A·L·帕乔说得更清楚:“艺术应该留给艺术家。就我们摄影而言，没有什么可以依赖艺术的，要搞独立创作。”
可见，这种艺术观念是对绘画的一种反作用，促使人们将摄影从学院派的束缚中解放出来，促进了自身特点的充分发挥。
这个学校的创作主题多为自然风光和社会生活。
因为自然主义摄影满足于描写现实的表面真实和细节的“绝对”真实，而忽略了对现实本质的挖掘和对表面对象的提炼。总之，它不注重艺术创作和艺术形象的典型性。所以本质上是现实主义的庸俗化。有时会导致对现实的扭曲。
该校著名摄影师有德维森(1856-1930)、威尔金森(1857-1921)、格尔(？-1906)、刮刮乐(1856-？)、Sutcliffe(1859-1940)等。
5.纯摄影
纯摄影是摄影艺术的一个流派，成熟于二十世纪初。它的创始人是美国摄影师斯蒂·格里兹(1864-1946)。他们主张摄影应充分发挥自身的特点和表现，摆脱绘画的影响，以纯粹的摄影技术追求摄影独特的审美效果——高清晰度、丰富的色调层次、微妙的光影变化、纯粹的黑白色调、细致的纹理表现和准确的图像刻画。总之，这一派摄影师刻意追求所谓的“摄影品质”:准确、直接、微妙、自然地表现被摄对象的光、色、线、形、纹、质，不借助任何其他造型艺术媒介。
1913班展出的《俯瞰纽约》是纯学院派的代表作。摄影师从高处俯瞰纽约的一个广场。虽然没有加工和装饰，但新颖的构图和独特的造型令人耳目一新。再比如E的弗兰克·K·桑德伯格(frank K Sandberg)，他用多次曝光的方法，避免了单一作品对空间和时间的限制，在一幅画面中描绘了诗人的情感转换、色调的组合和构图的变化，很有节奏感。
从某种角度来说，纯粹主义者的一些思想和创作是形式主义和自然主义的“混血儿”，后来演变成了“新客观主义”。但这种体裁在一定程度上促进了人们对摄影特点和表现技巧的探索和研究。
这个流派的著名摄影师是斯特兰德(1890-？)以及团体f 6.2摄影机构中的年轻摄影师，如阿丹斯、根灵汉等。
纯派后期的作品发展到线条、图案、扭曲影像的抽象化，其有影响的摄影师有雅博、施泰纳、史蒂文、埃文斯。
6.新客观主义摄影
新客观主义摄影也被称为“主导摄影”和“新写实摄影”。是20世纪20年代出现的摄影艺术流派。
这个流派的艺术特色是在平常事物中求“美”。通过特写、特写等手段，将主体从整体中“分离”出来，突出显示主体的某一细节，准确、真实地刻画其表层结构，从而达到炫目的视觉效果。它不认为艺术的本质在于对象的本质，所以它的美学思想属于自然主义。比如摄影师帕乔在1923年用特写的手法拍摄了火车头的转轴，展现了火车头转轴在运行时的状态，由于画面舍弃了其他细节，给观众以强烈的视觉印象。
新客观主义的理论先驱是斯特兰德，他对客观主义的艺术特征作了如下规定:“新客观主义是摄影的本质，也是摄影的产物和边界。”他认为摄影“对生活有很强的表现力，需要观察对事物的眼睛。”为此，不是基于敷衍的流程和操作方法，而是必须使用纯摄影。“新客观主义摄影的先驱是阿杰和史泰钦。实际创始人就是上面提到的帕乔。
帕乔反对摄影依赖绘画。他强调摄影艺术必须依靠自身的特点，认为摄影的审美价值就隐藏在自身的特点中。只有充分发挥自身的特点，才能创造美。他说:“绘画应该是画家随便画的，只有根据其固有的特点才能创作出自力更生的摄影作品，绘画中没有任何东西可以借用。”
新客观主义摄影师的成就是促使人们去研究和探索摄影本身的特性，将摄影从审美的虚幻世界拉回现实生活。但由于过分强调对细节材料表面结构的描写，为后来的抽象摄影提供了萌发的土壤。
1925年前后，由于大口径小相机的出现，新客观主义的表现领域有了新的发展，产生了许多肖像作品和反映社会生活和自然景物的作品。
新客观主义的著名摄影师有桑德(1876-1964)、拉斯基(1871-1956)、黑格(1893-1955)。)、Eft (1874-1948)、韦斯顿亚当斯(？-1902)等。
7.超现实主义摄影
超现实主义摄影是达达主义衰落时期出现在摄影艺术领域的一个流派，兴起于20世纪30年代。
这个学校有严格的艺术课程和理论。他们认为，用现实主义的创作方法表现现实世界是古典艺术家早已完成的任务，而现代艺术家的使命是探索人类新的、未被探索的“精神世界”。因此，人的潜意识活动、偶然的灵感、精神变态、梦境都成了超现实主义摄影师刻意表现的对象。
摄影中的超现实主义，和达达摄影师一样，以剪刀、粘贴、暗室技术为主要造型手段，将作品中的场景堆积、拼凑、重组，将具体的细节与任意的夸张、变形、省略、象征相结合，创造出一种介于现实与幻想、具体与抽象之间的超现实“艺术境界”。所以效果是奇怪的，荒诞的，神秘的。
这一流派的创始人是英国摄影师温斯顿和美国人布鲁盖尔(1880-1945)。真正的收尾者是英国舞台摄影师马可·宾(1905-？)，在自己的创作中，他将“超现实主义”的虚拟现实与真实的现实相结合，创造了一种既虚幻又真实的境界。比如他创作于1946年的《马可·宾自画像》，就是典型的超现实主义作品，四次曝光拍摄——一次正面、两面、一只眼睛。
这一流派的著名摄影师包括从事超现实主义高光的画家帕尔汗；畸形的人类摄影师布伦特；人像和宣传摄影师卡森、布卢门撒尔、洛林、哈尔斯曼、赖艺等。
8.抽象摄影
抽象摄影是第一次世界大战后出现的摄影艺术流派。
该派摄影师否认造型艺术以可观察的艺术形象反映生活、表达艺术家的审美感受，宣称摄影要“从摄影中解放出来”。
开头用无底放大法省略了“主体”的细节纹理和丰富色调，做了一个只显示其形状的“光图”。后来我们发展出或用光，或剪辑高光，或中间曝光，或拍摄时震动相机使底片上的被摄物影像模糊，或反复曝光使其出现鬼影，直到我们改变了画面的表面结构，改变了被摄物原有的形状和空间结构，试图用形式、色调(色彩)和材质的所谓“绝对抽象语言”，把被摄物改造成无法辨认是什么的线、点、形的组合。来展现这个流派的艺术家们奉为圭臬的人类所谓最真实最本质的潜意识世界。在作品中，被拍摄的对象只是艺术家借用的一个音符，用来产生一个随意表达自己想象力和个性的“旋律”。
抽象摄影的鼻祖是塔尔博特(1800-1877)。当初作品的画面还是保持了一定程度的可识别性。到1917年，摄影师被培养出来(1882-？)用木屑和透明玻璃碎片拍摄的《波尔多画报》，面目全非。1922年，匈牙利抽象画家莫霍林纳基(1895-？)在曼睿(1890-？)等人，并在理论上予以确立。随后，抽象画家康定斯基和克勒引进了显微摄影和x光摄影，极大地拓展了抽象摄影的表现范围，丰富了摄影艺术的语言，建立了自己的艺术体系，风靡欧美。
除了文章中提到的那些人，还有这个学派的其他代表人物，如司各特、芬宁格、安贞·兰德、弗莱泰、温克勒、格里姆波特、夏德和布鲁盖尔。
9.可比摄影
坎派摄影是第一次世界大战后兴起的反对绘画摄影的主要摄影流派。
该派摄影师主张尊重摄影的特性，强调真实和自然，主张拍摄时不要对主体进行操纵或干扰，主张在自然状态下把握主体的瞬间情态。法国著名摄影师亨利·卡蒂埃·布列松说:“对我来说，摄影就是记录一个事件的意义，以及能在瞬间准确表达它的精确组织形式。”所以这个流派的艺术特点是客观、真实、自然、亲切、随意、不做作、生动、充满生活气息。
就他们的美学思想和创作倾向而言，“侃”派摄影师的处境更为复杂。虽然都提倡人性的表达，大部分从事新闻摄影，但也有自然主义者，有现实主义者。
催生这一流派的作品是1893年摄影师阿尔弗雷德·斯蒂格拍摄的《纽约第五大道上的冬天》，真正完成它的是德国摄影师埃利希·萨洛蒙博士。他在德国和法国总理举行的一次夜间会议结束时用小相机拍摄的罗马政治会议，因其生动、真实、简单和自然而成为该体裁摄影史上的经典。
在摄影美学中，他们认为“一张基于摄影基本特征的照片是画家或蚀刻师无法模仿的。它有着自己不可分割的自我，有着自己特殊的表现力，甚至有着其他媒介无法表现出来的特点”。其次，对于客观事物的表现，他们重视和强调原创性，认为:“(摄影师应该用)自己的眼睛去看世界，而不是通过别人的眼睛，而这是区分照片是平庸还是辉煌，有价值还是无价值的标准。”
这个学派的著名摄影师有美国的托马斯·道·韦尔·迈阿沃伊；英国的赛利特莫代尔；法国的维克多·霍夫曼；还有路易·达尔·沃尔夫，彼得·斯塔克皮尔·布鲁维奇等等。
10.“达达主义”摄影
达达主义是一战时期出现在欧洲的一种文学思潮。“达达”原本是法国儿童语言中“小马”或“玩具马”的语无伦次的词汇。达达主义艺术家在创作中否定理性和传统文化，宣称艺术与审美脱节，主张“抛弃绘画和一切审美要求”，崇尚虚无，这使得他们的创作近乎戏谑，所以人们把这个艺术流派称为“达达主义”。
在这种艺术思潮的影响下，摄影领域也出现了“达达主义”。著名摄影师哈尔斯曼曾经创作了一幅蒙娜丽莎。她丰满的手在这里不仅变得青筋暴起，毛茸茸的，还塞满了钱。真是可笑又不伦不类。
达达摄影艺术家的创作多采用暗房技术进行编辑加工，创造一些虚幻的场景来表达自己的想法。例如，LM纳基的Leda和Swan将一个美丽的希腊童话视为一些模糊、怪诞和不可预测的图像和线条的组合。在画面中，视觉形象不再以其自身的意义存在，而只是一种观念的构成要素。还有人用编的手段让尼亚加拉大瀑布涌向纽约，营造出世界末日姜敏的荒凉景象。
由于达达主义的摄影作品不符合人们普遍的审美趣味和要求，所以从1924开始，就逐渐受到了超现实主义艺术流派以清晰完整的艺术豆腐和方案的冲击。但在后来的现代主义摄影艺术中，仍然可以看到它的影响。
著名的达达主义摄影师包括菲利普·哈尔斯曼、摩根、拉兹洛·莫利纳·冯静恩和利斯特斯基。
11.主观摄影
主观摄影是第二次世界大战后形成的摄影艺术流派，比抽象摄影更“抽象”，因此也被称为“战后派”。
它是存在主义哲学在摄影领域的反映。它的创始人是德国摄影师奥特·斯坦内。他认为“摄影是一个原本就有能力发挥自身作用的广阔领域，同时也具有高度的主观能动性。但目前它已经成为一种机械的现实主义。”于是他提出了“摄影艺术的主观化”的艺术主张，强烈主张摄影艺术的终极应该是提醒摄影者自己模糊的观念，表达他们不可言说的内心状态和潜意识活动。“主观摄影是个性化和个性化的摄影。这是这所学校的艺术节目。主观摄影艺术家非常强调自己的创作个性，蔑视一切现有的艺术规则和审美标准。这个学派的理论家公开表示“主观摄影不仅是一种实验性的影像艺术，而且是一种自由的、不受限制的创作艺术”，“我们可以利用技术随意创作照片。"
其特征在于:
1画面有具象和抽象两种造型形式，自我概念的表达是其最终目的。画面中的一切都只是摄影师表达自己的一个“载体”。
充分利用镜头的透视特性，将主体从现实中“剥离”，并“移动”到画面中，即利用镜头的某些光学性质，将客观对象转化为观念的“物化体”，从而在画面中组合起来，创造出自己的“世界”。而这个世界往往是荒谬的，神秘的，或者令人费解的。
3利用特写手段，清晰强烈地强化和突出物体的某一特定形态。
运用暗室手法，简化了主体原本丰富的色调，将自然普通的关系转化为强烈的视觉关系。
5利用曝光手段(如多次曝光、连续闪光)将拍摄对象从时间概念中分离出来，主动交换时间和空间位置的概念。
除了奥特和斯坦内特，他的著名摄影师还有杰伊·施莫尔(Jay Schmohl)、肖·范·奥坎(Shaw Van Ocan)、兰·佩恩(Lan Payne)和莫·沃尔克特(Mo Volkert)。