电子商务艺术设计论文
20世纪20年代，书籍设计师Wiezens创造了“视觉传达设计师”这个名字，用来描述“让印刷品用结构和视觉形式传达个人活动”的行为。它的意义在很大程度上表明了视觉传达设计师工作风格的独立性。设计师的创作状态发生了很大的变化，从最初传达设计时一个人独立工作的创作方式，到现在自己决定创作理念，与他人合作的创作方式。如何正视这种变化，正确认识我们创作独立的状态，从而帮助我们更好地发展，是非常值得我们关注和思考的。
独立的视觉传达设计师
1.1非数字时代的视觉传达设计师
在数字设计高度发展之前，基本上每个设计师都是从头到尾负责设计和创作的。他们通过一个人探索主题的策划，掌握用颜料作画且不允许出错的技术能力，创作自己的作品，直到完成作品。他们独立创作的状态和现在处于学习阶段的视觉传达者的创作状态非常相似。我们知道，视觉传达设计的历史并不长，很多设计师还在从事设计工作。比如:田中一雄，福田俊夫，户田正寿，君安南部，波兰的维斯劳·沃库斯基等。在欣赏他们的作品时，不难发现，虽然不是在同一时间、同一地点创作的，但他们都有一个共同的特点，那就是扎实的手绘功底和以其独特的个人视角解读的设计作品。正如户田先生所说:“很多年前，我在设计和创作的时候，基本上都是自己一个人完成的。”②他们处于一种非数字时代视觉传达设计师的普遍状态，即在创作理念和制作过程中具有主导性的独立创作状态。与他们相比，数字时代创作者的独立性受到一些限制，但还是有一部分人是有创作独立性的。视觉传达学习者和独立设计师占创作独立性人群的绝大多数。
1.2数字时代的视觉传达学习者
随着社会的不断发展，越来越多的人通过学习视觉传达，掌握了Photoshop、FreeHand、Illustrator、Coreldraw等数字处理软件，希望进入视觉传达的设计世界。大部分都是通过进行假设计项目或者参加非商业设计比赛来学习。在这种脱离市场运作的状态下，他们对创作理念也有着主要的控制权。最常见的例子就是在校学习的平面设计专业的学生，当然还有喜欢视觉传达的人。在中国平面设计网上设计走廊大赛传真③16展览中，设计师不仅仅是设计师，更多的是学习阶段的人。对于同一个竞赛命题，正是因为创作者在创作理念上的主控，才产生了这种多彩的设计。如果你想在完成学业后继续保持自己的创作独立性，你需要设定自己的目标，无论是与他人合作还是个人创作。最好观察数字时代独立创作者的创作和运营方式，结合自身实力谋求发展。
1.3数字时代的独立创作者
与视觉传达学习者不同，数字时代的独立创作者大多是应市场要求和个人意愿而诞生的个人工作室的创始人，或者是大型设计公司的设计总监和艺术方向的设计师。在市场的双向选择下，这些创作者根据客户的要求进行设计创作，他们对设计创作的理念也有主要的掌控权，有时甚至不止于此。户田正寿认为“作为艺术导演，首先要做的是决定创作的理念。确定了概念之后，就要挑选合适的创作人员。选择创意人员最重要、最关键的是要适合那个创意概念。否则，即使那个人很优秀，还是不要用的好。(2)“从他的角度，我们不难发现，这类人的创作独立性发生了变化，对关键问题的思考更加独立，他们的垄断性和支配性在这里得到了体现。但是，这并不意味着他们不需要合作，也不存在脱离社会的设计。
虽然以上三类视觉传达设计师在创作方式上有所不同，但是数字时代和非数字时代的设计师有一个本质的相似性，那就是都是独立的创作者。但就像历史的发展不是一成不变的一样，设计师的独立性也不能以是否数字化来区分。它始终是一个发展事件，独立性的变化和发展趋势就是对这个螺旋运动事件的分析。
二，视觉传达设计师创作独立性的变化
成为一名视觉传达设计师，和其他专业人员一样，都有一个学习的过程，所以从历史普遍性来说，大部分都有过以下几个时期:技术学习，思想上的独立创作状态→技术合作，思想上的合作→技术合作，思想上的独立。我们很容易发现有一个周期性的变化。然而，设计师的这种循环与一般时间中线性环节的循环有很大不同，不仅仅是设计师的个人差异，更大的不同在于现代社会融合的趋势，这使得设计师的独立创作状态在不断的复杂渗透中不同于原来的独立状态。
2.1个人创作——即完全独立。
这是一种完全按照自己的想法和意愿进行创作的状态。学生的创作，一些设计师的创意，一些为了个人提升的创作状态都属于这一类。追求和表达自己独特的想法和理解，创作出能有效体现设计思路的作品，是这种创作状态存在的根本原因。维也纳的设计师卓·乐思说:“设计必须有个人风格，传达艺术信息，个人诠释是最重要的。”他的文字，很大程度上描述了设计师在个人创作状态下的所思所想。如果这种状态发展到极致，会造成设计师的理想脱离市场，但如果发展得好，就是巨大的成功。据艺术资源网世界设计师名录中所列的54位设计师统计，只有丹·雷辛格、塔帕尼·阿托姆、小岛康誉·梁平、约瑟·M·特里尔和松永真五位设计师在设计公司或广告部工作过，其余49位设计师毕业时要么在学校工作，要么成立了自己的工作室或协会。他们大多通过参加各种国际展览来展示自己，他们的作品大多被博物馆和美术馆收藏。这可以说是个人创作状态成功方式的一个具体例子。当然，我们也不能忽视事情的背后。随着社会的发展，设计被放在了非常高的位置。于是，一些设计师就有了“救世主”的心态。似乎所有的问题都可以通过设计来解决。他们往往认为自己的想法领先于普通消费者，消费者根本不懂设计，所以不屑于了解消费者的想法。他们反而责怪消费者不欣赏自己的设计，就像一个自恋的“现代艺术家”一样。瓦尔特·格罗皮乌斯在1922中意识到了这一点:“我们都知道。我们周围的一切都不是孤立存在的，而是以我们的发展理念为后盾的。”⑤包豪斯也意识到了这一点——“包豪斯一旦与外界的工作及其工作方法失去联系，就会成为怪人的避难所。学校有义务培养那些清楚了解自己所生活的世界的本质的人，以及那些有能力运用自己的综合知识和想象力创造出能够象征世界的典型形式的人。”所以要尽量避免进入这种盲目的个人创作。要记住，设计的最终目的是传达和传播信息，与客户、技术人员以及更多相关人员的合作才能更好地实现设计的最终目的。至于如何保持创作的独立性，达到最佳的传播效果，在合作创作和主导创作的分析中有详细说明。
2.2共创——参与创造但服从创造的理念。
共创是关于与客户的合作与配合；与设计同事合作；与需要我们的人合作。它与个人创作有着持续的关系。当然，“我怎么想决定我怎么设计”的观点在这里是绝对不适用的。随着社会分工的细化，大部分进入公司的设计师都是从事局部的设计和调整，在创意理念的决定上处于被动地位。设计师只有在做自我推销的时候，才能回到独立创作的个人状态。处于个人创造状态的学习者在刚融入社会的时候，会面临这样一个时期，需要改变自己的态度。
《自动装置》(Automatic device，伦敦皇家美术学院研究生视觉传达课程的产物)认为:“设计必须与顾客合作，必须鼓励对话和创意，以建立吸引人们目光和注意力的支流。每个设计都受到平等对待，每个解决方案都是不断发展的对话的自然产物。”⑥“骑行工作室”始终将与客户的沟通作为其创作过程中的一个重要方面。在“非凡设计-世界著名工作室作品展览实例”中列出的42个工作室中，有5个工作室明确指出了像这样与客户合作的重要性。在与客户合作的基础上，最大的变化是创意概念主控权的转移。大部分没有社会实践经验的设计师，刚进公司的时候只是整个设计过程中的一部分。从文案创意到设计中的美工、设计师、制作设计师，都是遵从创作的理念。如果把一个设计分为:构思过程——创造事物(或产品)的意识，以及由这种意识发展和延伸出来的思想和理念。行为过程——使上述想法和设想实现并最终形成对客观现实(或产品)的可行性判断和形成的过程。实现过程——以最具目的性、实用性和经济价值为目标，贯穿整个设计活动，实现成品(或产品)的综合价值。合作期的设计师，大多只是行为过程的执行者。
这个时期可能压制了很多设计师的个性化语言，但我们还是有展示自己的空间。在台湾省，有一个设计比赛叫“垃圾桶里的创意”。所有你认为是好设计的作品，不管是被主管还是老师拍过的，都可以参加。其广泛的资格(只要你对创造性工作感兴趣，无论社会人士或学生，会员或非会员的Heixiu.com都可以参加。⑦)就是提倡任何时候都要重视个人的创造力，这是追求创作理念没有时差的体现。正是由于设计师在创作理念上追求独立，这种参与创作但又遵从创作理念的创作期被普遍视为主导创作发展的缓冲期。
2.3领先创造——构思www.dolcn.com自主生产协作状态
在强调设计重要性的当今社会，越来越多的设计师成立了自己的工作室。他们在创作构思上独立，在制作上合作，这是设计师创作独立的另一种状态。比如在“假发工作室”为大西洋唱片公司制作P.O.D标签和logo的案例中，“假发工作室”的设计师迈克尔·罗宾逊(Michael Robinson)首先与摄影师合作，然后要求照片处理器合成照片，以达到乐队想要的效果，最后与其他设计师合作制作乐队logo。⑥他决定了创作的概念，在定义了概念之后，他选择了合适的创作人员。虽然合作创作贯穿了整个设计，但我们应该看到他在整个设计中的主导作用。同样，从户田正寿对创作人员的选择的高度重视，我们不难发现，创作的主导权贯彻在每一个细节中。用迈克尔·罗宾逊的话来说，领导创作就是:“先有一个想法，然后让很多有才华的人分工。”⑥相对于完全独立状态的生产，在结合多家之长的设计上有相当大的优势。既能体现设计师独特的设计思路，又能补充制作中的不足，有时还能帮助设计师由被动设计变为主动设计。也就是战略设计。“韩展宁:成为一名平面设计师是最初的困难吗？作为一个闯入者，你是怎么被大家接受的，你是怎么做生意的？欧宁:当我决定进入设计领域时，我有一个深思熟虑的计划。我不想像这个行业的大多数人一样听命于客户，所以我独立开发自己的设计项目。北京新声本来是打算做独立刊物的，前期采访和拍摄我也投入了一点钱。后来得到了湖南文艺出版社的支持。那是一个充分体现了我自己想法的项目，出版社没有添加任何意见。对于有创造力的人来说，创造比管理更有趣，我不想失去这种乐趣。”⑧可以说有这种想法的设计师不在少数。福田樊雄曾在西门子手机创意营中解释，为什么他总是在没有助手的情况下独自创作。“创作这么有趣，为什么要把这么有趣的东西给别人？”可见，设计创作的乐趣是主导创作者所拥有的，是设计师在个人创作时期所拥有的，在合作创作时期所失去的。但是视觉传达学习者也可以进行显性创作。也许他们有一个很好的想法，但在技术上无法达到最初的想法。这时候寻求技术上的合作，最终会把想法以最好的形式表现出来，这种创造也可以看作是占优势的创造。俗话说“三个臭皮匠，顶个诸葛亮”，学习过程中的不足完全可以通过合作来弥补，最重要的是不成熟的想法和理念可以在磨合中逐渐完善。也就是实现了自己最初的想法，学到了更多的知识，学会了如何与人合作。
三，创造性独立的现实意义
通过对视觉传达设计师个人创作、合作创作、主导创作三个时期的观察，可以看出视觉传达设计师创作独立性变化的最根本原因是个人面对社会需求和创作需求的转变。目的可以作为一个坐标，就像文化有回归和超越两种动机一样，独立性的改变更多的是一种超越。从个体创造期发展到合作创造期，是因为技术的匮乏和生活积累的不足；当设计师积累了足够的基础后，从合作创作期切换到大师创作期，意味着这个时期的设计师已经把目的变成了追求大师创作和设计创作乐趣。
创作独立性是普遍的，表现在三个方面:一是一批始终保持个人创作状态、不经反复变化而超越自我的设计师，如福田樊雄、冈特兰博以及完成学习阶段后直接在高校进行教育的各种设计机构的创始人；二、设计师完成从个人创作到合作创作再到大师创作三个时期是最常见的变化过程；三是从其他行业转行，直接进入主控创作期的视觉传达设计师。欧宁和图形破坏工作室的成员也在其中。鉴于个人需求的转变，每个人的体验都不一样。在一与多的辩证关系上，才能找到自己的定位和发展方向。同时也可以看到这三种状态的交错。对于那些属于数字时代的人来说，我们应该能够随时调整独立状态，以更好地适应发展。
在个人创作期间，学生的个人创造力应处于独立状态。在不断吸收知识的基础上，发挥他们个人的创作意识，激活个人潜能，为以后的创作打下坚实的基础。同时，掌握各种设计技巧和知识，会给自己创造一个摆脱合作创作期的机会。当然，连纯粹的自我都不存在。我这里说的独立是相对的，指的是设计和创作的概念。如前所述，学习阶段的显性创造更应受到重视。通过这个练习，我们可以提前协助他人创作的合作期，也可以锻炼主导创作。当视觉传达设计师还缺乏商业社会的实践经验时，就应该进入合作创作期，这样既可以学习知识，积累经验，又可以避免设计师进入“现代艺术家”心态的死胡同。学会合作是这个时期的首要任务。正如姜华所说，“设计作品不仅仅是让设计师自己欣赏的，还涉及到其他很多方面，比如最本质的沟通、基本原理和技巧、客户和受众，因为设计本身就是一种商业行为，需要设计师和其他人的沟通。”⑧商业设计行业如何与客户沟通？这篇文章可以教我们如何调整自己的位置。“我们首先要以朋友的心态和客户沟通、交流、讨论。只有这样，才能真正理解和关注客户对设计的构思和最终的效果。'融合与沟通是关键'，先倾听客户的想法，再提出自己的观点，真正做到'不要说服你，尽量贴近你'。在尊重客户个性和喜好的前提下，通过讨论结合自己的创意和设计作品。只有这样，才能创作出贴近客户预期，体现设计师水平的作品。如果客户对设计方案有一些不同的看法和意见。我们应该和顾客交流感情，获取知识。但你绝对不能以‘外行’为由指责客户的想法。如果设计师能拿出正反两方面的例子与客户沟通，即不盲目跟随盲目客户的观点，又注重从实用美学的角度耐心引导客户，只要方法得当，就会获得客户的理解，使双方达成谅解。”⑨在这个时期，设计应该回到原点，设计的目的仍然是传达信息，传播信息。这时候个人推广和商业创作是一致的。”潘琴:我们认为艺术设计和商业设计是一致的，平面设计的本质是一样的，那就是传达。“另一方面，注重设计师自身的人格修养，是设计师在生活实践中逐渐积累起来的。这个过程越灵活，对周围作品的吸收就越有效，对作品的排斥就越少。这两者是互补的。人格积累本身对人格发展有促进作用，而人格发展又能日益丰富自身的人格积累。积累到发展是一个过程，保持这个过程很重要，是未来大师创作期的基础。可以说，经过合作期的锻炼，我已经能够认清自己的能力，积累了足够的经验，可以发展成为一名主创。
学习阶段的主导创造与合作期后的主导创造是一致的，但在实践中是不同的。学习阶段的主导创造有更大的未知发展。
以我为例:我的毕业创作思路是通过照片的flash展示，构建一个完整的我。整体性是指通过镜头展现我在他人和我眼中的外貌和性格特征，通过寻找相似性来表现我的各个方面，从而完成一幅摄影作品从外部环境到内部人物的体现，并使观者通过闪光灯和背景音效的相互作用达到三维感官理解。这个设计的定义从一开始就明确了别人的参与，因为是为了表达他们眼中的我，所以我无法以摄影图片的形式介入，只是在内容上公式化了一个概念。相对于“明确概念后，必须选择合适的创作人员”的标准，我的毕业创作是个人的探索，而户田正寿认为“艺术指导不应该照章办事”最后，对比修改的完成阶段，户田正寿认为“终于，是开始印刷的阶段，从这个时候开始，艺术总监开始进入真正属于他的世界。“是否充分代表和体现了你想要的那种画面感觉？.....在这个过程中，作为艺术导演，挑战他的是自己，他要战胜自己”(2)。他说的属于他的世界，在学习阶段和主导创作期是一样的，不同的是，照片素材收集完成后，我进入了属于我的世界。当然这只是个例，但引领创作才是学习中后期最重要的创作方式。结合技术的积累去创造和合作，可以更早的进入社会后适应各种环境。
四个结论
作为数字时代的学习者，进入社会后面临着一个双向选择。树立自己的目标也许不难，但要维护自己的理想就没那么容易了。一个视觉传达设计师只有在个人创作时期记住设计概念独立构思的状态，在合作创作时期保持这种个人思维，才能最终发展成为一个优秀的独立创作者。而且要注意，创造性独立是一个变化的过程。所有视觉传达设计师也要注意掌握协同创作中概念独立与合作的角色转换，正确处理个体面对社会需求与创作需求的矛盾，避免脱离社会，进入自恋与隐居的怪圈。
虽然设计师的创作状态是不断变化的，但设计的目的始终不变，那就是传达信息，传播信息。表达个人想法的沟通不同于针对客户的沟通。在主导创作期，无论如何掌握，合作都是不可忽视的内容。在学习阶段，在发展个人创作的同时，也兼顾引领创作的尝试，可以帮助我们提前适应进入社会后的工作和学习。适应社会最重要的是学会与客户合作。让我们记住这句话:“设计必须与客户合作，必须鼓励对话和创意，建立吸引人们注意力的支流。每个设计都受到平等对待，每个解决方案都是不断发展的对话的自然产物。”
视觉传达还在发展，视觉传达设计师的创作独立性也在变化。随着设计师自身的不断进步，对创作独立性的不同程度的追求，创作独立性应该和创意、技法一样受到重视。通过了解它，人们可以认识到自己的创作状态并使自己的作品达到最佳水平，并与视觉传达一起更好地规划未来的发展。