求下半学期西方音乐史复习资料
19世纪以前，欧洲大部分人以古典主义为唯一的审美标准，他们都否定其他与古典主义不一致的艺术风格，即一种稳定、对称、相对和谐的艺术风格。比如巴洛克这种与古典主义格格不入的艺术风格，率先采取了批判的态度。19世纪以后，人们充分了解了巴洛克时期的艺术风格及其感人的魅力，于是逐渐开始对巴洛克的整个艺术有了很高的评价。在音乐方面，人们逐渐认识到巴洛克音乐是欧洲音乐史上非常重要的一个时期，这一时期所取得的艺术成就为欧洲音乐的发展奠定了基础。所以可以说，了解巴洛克音乐对于了解整个西方古典音乐的发展和西方音乐的基本风格特征是非常重要的。
文艺复兴后，欧洲许多国家仍处于动荡之中。众所周知，1640年的英国资产阶级革命标志着欧洲社会从此进入资本主义社会，资产阶级作为一股新的独立政治力量登上了历史舞台。与此同时，这一社会制度正处于从封建社会向资本主义的过渡时期，思想文化领域也正处于从文艺复兴向启蒙运动的过渡时期。在这一时期，在艺术领域，各种艺术都在积极寻求自己的发展方向，探索进一步完善自身艺术表现手段的途径，这使得整个艺术门类充满了生机。
另一方面，这一时期的科学技术也发展迅速，因为在十六世纪下半叶，随着宗教战争的爆发，新的神学和新的哲学开始出现，带来了新的思维方式，这极大地促进了精密科学的出现，如数学和现代物理学，它们大多产生于巴洛克前后，艺术家也从中受益匪浅。在这一时期，无论是绘画、建筑、音乐还是雕塑，在艺术领域都取得了巨大的成就。他们在造型和理念上有一些大胆的表现，特点是规模大，结构对称严谨，也注重装饰和戏剧的对比。
在音乐上，音乐家们通过探索和创新赋予了音乐艺术新的生命力。这一时期音乐的主要成就可以概括为:首先是歌剧艺术的出现，它产生于意大利，并逐渐传播到欧洲各国。二是大小调式和现代和声体系的逐步完善。巴洛克音乐是欧洲音乐的一个基础，影响了欧洲音乐的发展300多年，其中这个大小调式和现代和声体系是一个非常重要的因素。第三，声乐和器乐作为音乐艺术的两种主要形式，开始独立发展。
巴洛克音乐的大师:
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫约翰塞巴斯蒂安巴赫
乔治·弗里德里希·亨德尔·乔治·弗雷德里克·汉德尔(1685-1759)
Vivaldi
多梅尼科·斯卡拉蒂
格鲁克
蒙特威尔地
古典时期
在国外，这种类型的音乐被称为“古典音乐”，意思是“古典的、正统的、古典的文学”，所以我们中国人称之为“古典音乐”，或者更确切地说是“西方古典音乐”。首先，概念上，“古典音乐”是一个音乐门类的名称。然而，即使在国外，对于“古典音乐”一词的具体含义也有许多不同的解释，其中主要的异议来自于对“古典音乐”时代划分的不同概念。从最狭义上讲，18世纪下半叶至20世纪20年代，以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的“维也纳古典乐派”的作品，特指“古典音乐”。最广义的解释是把时间往前推到欧洲文艺复兴时期，从那以后一直到后来的巴洛克时期、维也纳古典时期、浪漫主义时期、民族音乐流派、印象主义直到19世纪末20世纪初出现的现代音乐流派，甚至所有非纯粹娱乐性的现代专业音乐，统称为“古典音乐”。
首先要知道“巴洛克”是一个时期的简称，通常指150年的范围，从1600到1750。这一时期产生的音乐作品习惯上被称为“巴洛克音乐”。当然，时间的概念是刚性的，而艺术形式是相对灵活的。有人可能会问，“巴洛克”是什么意思？其实和音乐没什么关系。“巴洛克”一词来自葡萄牙语，意思是不圆或不完美的珍珠。最初是建筑领域的术语，后来逐渐用于艺术和音乐领域。
不得不提巴洛克时期之前西方音乐的发展。从15世纪中叶到1600年，我们习惯称之为“文艺复兴”。正是由于巴洛克音乐和文艺复兴音乐在很多方面的巨大差异，才被后人划分为两个时代。提倡人文主义的文艺复兴是西方文明的标志，是文学、艺术和现代科学的开端，在音乐艺术方面取得了一定的进步..但缺乏规律的节奏，缺乏强弱音调的变化，也是文艺复兴时期音乐创作技巧的局限。巴洛克音乐此后的流行与其在诸多领域的创新和变革密切相关。有人曾把文艺复兴和巴洛克的审美观放在一起，做了如下比较——“如果把文艺复兴的审美观比作一颗圆圆的珍珠，而巴洛克的审美观是一颗形状不规则的珍珠，是一种宁愿打破形式的整齐划一，也不注重表现力量的形式”。因此，我们可以形象地概括巴洛克音乐的特点，即“强烈的对比和轻微的夸张。”相对于文艺复兴时期音乐作品力求和谐统一、舒缓流畅的效果和整体稳定的风格，巴洛克音乐突破了这一传统，变得更加热情和张扬。虽然这种风格在历史上被指责为“过于招摇和不规范”，但没有人能否认巴洛克音乐推动了整个西方音乐史的发展这一事实。西方艺术史认为，音乐艺术在巴洛克时期获得了前所未有的飞速发展。
总的来说，巴洛克音乐有以下几个特点:它的节奏感特别强，活跃，短小有节奏感；旋律细腻，跳跃，连续；采用多旋律复调音乐的复调手法；作曲家一般强调作品的情感起伏，以至于当时相当看重音乐的速度和力度；曲目的调性也从文艺复兴时期单一保守的教会调式发展到大调小调调式。与此同时，西方管弦乐弦乐器也在巴洛克时期迅速发展，小提琴的出现和拨弦古钢琴的形成为巴洛克音乐提供了更多的表现力。随着其他乐器的发展，一些特定的巴洛克音乐的配器可以向多元化、大型化的方向发展。然而，像管风琴、大键琴和小提琴这样的古老乐器仍然被广泛使用。
在音乐形式方面，巴洛克时期比文艺复兴时期丰富得多。皇室和贵族对音乐的需求促使许多巴洛克音乐人探索许多新的音乐表现形式，歌剧的兴起(不是起源，歌剧的起源应该追溯到很久以前)是最突出的一点。巴洛克时期的歌剧虽然被一些专家批评为“矫揉造作”，但却是此后歌剧发展的一个基础。声乐领域的其他表现形式还有戏剧、经典歌曲、清唱剧、激情与弥撒等，都带有强烈的宗教色彩。这说明在巴洛克时期，宗教音乐在西方音乐中仍然占有很大的分量。巴洛克时期，器乐发展迅速，表现形式多样，有协奏曲、独奏协奏曲、管弦乐组曲、各种舞曲、前奏曲、幻想曲、托卡塔、赋格、奏鸣曲等。其中很大一部分发展进化，从而成为后来更成熟的形态。
巴洛克时期音乐的大发展也得益于这一时期大量优秀作曲家的出现。巴洛克时期最早的著名作曲家应该是意大利人蒙特威尔第，他出生于1567年。他被誉为“文艺复兴向巴洛克时期过渡的杰出人物”、“歌剧改革之父”、“17世纪最杰出的作曲家”，但现在他似乎被我们忽略了，至少在中国的普通音乐爱好者中，熟悉蒙特威尔第及其作品的人并不多。维瓦尔第是一位著名的作曲家。其实他和蒙特威尔第一样是意大利人，只不过他比比蒙·威尔第晚出生100多年！所以蒙特威尔第可以被称为巴洛克音乐的鼻祖。此外，巴洛克时期的法国音乐也不容小觑，以库普兰为代表。同样出生在法国的拉莫尔也是同一时期的著名音乐家。他曾被誉为“18世纪法国最杰出的作曲家”。拉莫尔和库普兰共同构筑了法国巴洛克音乐的辉煌，两人都是拨弦古钢琴领域的优秀作曲家。泰勒曼和J.S .巴赫是巴洛克时期德国音乐家的代表。事实上，亨德尔也是德国人，但他的大部分作品都是在英国完成的，他也成为了英国国民，所以通常被认为是英国作曲家。泰勒曼这个名字可能看起来很陌生，但他在18世纪活着的时候，名声甚至超过了巴赫，但他的作品并没有广为流传。
可能大家看完上面的话会觉得有点复杂，因为把音乐归类为一种自由的艺术形式是一件非常费力的事情。但是，我们要尽可能简化古典音乐的概念。一般认为，与文艺复兴时期的早期音乐和19世纪末开始出现的现代音乐流派相比，西方古典音乐在巴洛克时期发展最快，也最容易被大众接受，直到印象派音乐流派的出现。所以这个入门系列的短曲，主要会给大家介绍一个从十七世纪到十九世纪末的西方经典音乐作品，这是一个将近三百年的跨度，也是我们具体所指的“古典音乐”的概念。当然也有一些超越这个时间跨度的优秀的著名作品，比如20世纪苏联现代派作曲家肖·斯特科维奇的音乐。
如果只看外表，那么音乐最基本的功能也不过是取悦听众的耳朵而已。如果要探究音乐的深层内涵，那么我认为音乐是作曲家表达心情和情感的一种方式；对于听者来说，是从音乐中获得自己需要的情感慰藉，获得精神世界。以上两点体现了音乐的两个特点——娱乐性和思想性。即使是流行歌曲也不是纯娱乐性的，而是有思想的。但古典音乐中所包含的思想内容更为深刻、含蓄、多变、耐人寻味。他能表现出人类最深沉最激烈的情感和最跌宕起伏的情感变化。古典音乐不像流行音乐那样直白，但它留给我们更多的遐想、思考和回味的空间，所以耐听，经得起时间和岁月的考验。有人说，一旦你喜欢上了古典音乐，你会找到除了爱人之外的另一个人生伴侣，古典音乐永远不会和你离婚。虽然比喻有些可笑，但也颇有哲理。
浪漫音乐
第一，音乐中的浪漫主义
浪漫主义最初是指用罗马体写的故事，后来特指小说或骑士故事，后来还包括传奇小说。艺术上浪漫主义的兴起最早见于18世纪的文学作品，它将个人的一切感情、兴趣和才能表现得淋漓尽致。在音乐上，浪漫派作曲家强烈地表现出自己的爱好，这与以形式为主导的古典主义格格不入。古典音乐如线条般明亮；而浪漫主义音乐则注重色彩和情感，包含很多主观和乌托邦的因素。但是，这只是原则上的区别。按照那些有条不紊的音乐史学家的意愿，在不同的创作风格之间划出一条清晰的界限从来都不是那么容易的事情，比如古典主义和浪漫主义。简单的定义是不可行的。这些定义总是过于简单化，因为许多非常重要的因素被忽略了。比如，如果断言古典音乐是客观的，浪漫主义音乐是主观的，那不就意味着海顿、莫扎特、贝多芬和计算机一样，从来不会创作出反映个人感情的作品吗？这显然是荒谬的。同样，如果浪漫主义作曲家“摆脱”了传统形式的原则，那么这实际上就否认了他们继续使用这些形式，甚至在不可能的情况下使用古典形式。例如，威尔第以一首赋格曲结束了他的喜剧歌剧《福斯塔夫》。另外，要明确的是，古典主义和浪漫主义是存在过一段时间的。韦伯，重要的浪漫主义歌剧作曲家，德国理想主义者，比贝多芬早一年去世，舒伯特仅晚一年去世。然而，实际上这两个音乐流派之间存在着我们很容易把握的差异，而这些差异大部分是由于非音乐方面的原因。到了浪漫主义时期，作曲家在社会中的地位发生了根本的变化。他们不再是城市、法院或教堂的雇员。
贝多芬只是在某种程度上赢得了真正的独立，因为无论贵族们多么慷慨地让他走自己的路，他的大部分生计仍然依赖于贵族们的保护。现在，理论上，作曲家完全是自己的主人，实际上，他也是大众的公仆。为了满足大众的需求，各种音乐会社团和音乐节网络迅速发展起来。如果一个作曲家，比如门德尔松，能为这一大批占统治地位的中产阶级提供他们喜欢听的音乐，他就是成功的；反之，如果他无视时代审美，只为自己或自己理想的后代创作，那么他在大众心目中必然是一个“古怪”的孤立艺术家。这类作曲家往往认为自己是未来艺术的杰出人物和预言家，“艺术家”一词的使用并非毫无意义，因为整个十九世纪的作曲家都是这样看待自己的。他们有很好的理由这样称呼自己，因为一旦摆脱私人保护，加入社会，他们就开始与文学作家等创作同行有所接触。其实韦伯、舒曼、柏辽兹除了作曲，还写了一些关于音乐的书，而瓦格纳不仅写自己的剧本，还写了很多关于音乐、戏剧、哲学的书和论文。很难想象他为什么还有时间创作如此多的音乐作品。新一代的作曲家对社会上各种各样的新思想都有浓厚的兴趣，无论是科学的、民族的还是艺术的。最重要的是，他们对文学很着迷。他们的前辈只满足于用器乐表达纯粹的音乐思想，而浪漫主义音乐家则致力于让音乐在表达的广度上与语言并驾齐驱。当然，为歌词作曲一直是作曲家的做法之一，但当时流行用器乐来表达或描述一个特定的场景，甚至讲述一个故事。它始于贝多芬同时代的韦伯，后来发展为李斯特和理查德·施特劳斯的描述性交响诗。19世纪上半叶，自然田园的浪漫主义文学转变为范围比生活更广的浪漫主义文学，以简·奥斯汀的《傲慢与偏见》(1813)和艾米莉·勃朗特的《呼啸山庄》(1847)为代表。这两部英国小说有着天壤之别，这种不同可以用沃尔特·W·佩特对浪漫主义的定义来概括，他认为浪漫主义是“给美加上一种怪诞的色彩”。所以，浪漫主义音乐在很大程度上也表现出一种奇怪的超自然的东西也就不足为奇了，柏辽兹在他写于1830的《幻想曲》中就是这样。作曲家们很快对周围的自然产生了新的兴趣，这不是贝多芬的田园中简单的自然，而是大写的“自然”，一种与他们有着特殊联系的力量，因为他们超脱于一切众生。无论是文学还是音乐，浪漫主义的另一个特点就是非常强调单一的一个人，而不是那种作为社会的一员，被小心翼翼地划入某个阶层，根本无法摆脱的人。因此，对独立人格的强调，使得作曲家有意识地追求个人特色，有时成为利己主义。这样，他们就离那些因为循规蹈矩而压抑了部分创作天赋的古典作曲家越来越远了。
试图用几句话概括浪漫主义音乐的特点，很容易让读者误以为浪漫主义作曲家都是堕落的。虽然有一部分确实出轨了，但总体来说，他们有足够的自控能力，让自己的自由不越线。大部分仍然沿用传统的交响乐、奏鸣曲、四重奏等形式，尽管这些形式中有新的东西与莫扎特不同，会侵犯他的审美(要记住，审美的好恶总是在变化的，所以这一代人认为“过分”的行为在下一代人眼中是常态，昨天的“淘气的孩子”也逐渐成长为今天受人尊敬的“老叔叔”。【注:法国诗人高蒂(Gauthie)，早年参加浪漫主义运动时被称为“淘气鬼”。“老姨夫”是英国对格雷斯的称呼，格雷斯是一位政治家，曾经担任过首相。)。浪漫主义运动内部一直存在两个不同的流派，一个是以柏辽兹、李斯特、瓦格纳为代表的激进派，一个是以门德尔松、勃拉姆斯、布鲁克纳为代表的保守派。研究早期浪漫主义可以解释分裂是如何产生的，也可以区分那些重要性在于管弦乐的作曲家(门德尔松、柏辽兹)和那些重要性在于其他方面的作曲家(如歌曲中的舒伯特、歌曲和钢琴曲中的舒曼、歌剧中的韦伯)。
二、浪漫主义音乐的形成
早期的浪漫主义音乐和其他姐妹艺术一样，起源于欧洲的“启蒙时代”和法国大革命的自由民主思想，比文学上的浪漫主义晚了几十年。贝多芬晚期的作品成为早期浪漫主义的先驱，之后所有的作曲家都可以归为浪漫主义者。从时间上看，19世纪中期是浪漫主义音乐的全盛时期。
三、浪漫主义音乐的代表人物
如前所述，在古典作曲家贝多芬、罗西尼和韦伯的晚期作品中，浪漫主义的音乐风格已经显露无遗，而正是他们开创了浪漫主义学派。1800左右出生的作曲家形成了早期浪漫主义的中心。舒伯特和柏辽兹是早期浪漫主义音乐的代表，他们从格鲁克、海顿、莫扎特和贝多芬的传统中形成了自己独特的流派。后来，浪漫主义音乐被门德尔松、舒曼、肖邦和威尔第进一步完善，在柴科夫斯基、李斯特和瓦格纳的时代达到顶峰。这些作曲家和钢琴家形成了中期浪漫主义的中心。至于马勒、理查德·施特劳斯、拉赫玛尼诺夫等现代著名艺术家的作品，则属于晚期浪漫主义音乐。
第四，浪漫主义音乐的历史地位
浪漫主义音乐流派在音乐史上的地位不言而喻。这一时期不仅盛产伟大的音乐家，而且音乐体裁范围空前广泛，无字歌曲、夜曲、艺术歌曲、叙事歌曲、交响诗等形式新颖独特，是人类艺术史上一座伟大的“宝库”，浪漫主义音乐也是一座桥梁:韦伯接受了格鲁克和莫扎特的传统，并在近代传播给瓦格纳；舒伯特是贝多芬在器乐上的继承者，他的浪漫主义艺术歌曲通过舒曼和奥尔夫流传至今。柏辽兹的标题音乐源于贝多芬的《田园》交响曲，后来与现代法国的印象主义联系在一起。
浪漫主义音乐学派是继维也纳古典音乐学派之后的一个新学派
产生于19世纪早期。
这一时期艺术家的创作特点是崇尚主观感受和自然。
对未来的爱和幻想。艺术表现形式也比以前发生了新的变化。
它展示了浪漫主义思想和风格的形成和发展。浪漫音乐和古典主义
音乐的与众不同之处在于它继承了古典作曲家的传统，在此基础上，也有
新的探索。比如强调音乐要区别于诗歌、戏剧、绘画等音乐
结合艺术，提倡综合艺术；提倡标题音乐；强调个人主体性。
表现感，作品往往带有自传色彩；作品充满幻想，描述了伟大的自我。
但是有很多作品，因为自然是平静的，没有矛盾，是一种理想的境界；沉重的
以戏剧为依托，研究民族民间音乐文学，从中汲取营养，作品脍炙人口。
民族特色。在艺术形式和表现手法上，它继承了古典音乐学派，但在内容上
差别很大，夸张的手法也用的很多。以音乐的形式，它突然
它打破了古典音乐均衡完整的形式结构的限制，具有更大的自由度。钱勒
第二章器乐的题材是多种多样的，主要是器乐作品，如即兴曲、夜曲、练习曲、
叙事，幻想曲，前奏，歌词和各种舞曲——玛祖卡，圆舞曲。
曲、波尔卡等。在众多的器乐作品中，钢琴曲居多。声乐作品
歌曲中出现了大量的艺术歌曲，许多声乐作品串联起来形成了套曲。
如舒伯特的《美丽的磨坊姑娘》和《冬之旅》，都是浪漫主义音乐流派的创新。
的艺术主题。和声是表达浪漫主义的重要工具，是不协和音的扩展
大和运用自如，七和弦和九和弦以及半音和转调在音乐中使用频率很高。
现在，和声的范围和表现扩大了，和声的色彩增强了。作曲家创立了
多乐章的标题交响曲和单乐章的标题交响曲都是浪漫主义音乐。
重要的形式。
浪漫主义音乐以其独特的强烈、自由奔放的风格和古典主义风格备受关注
严谨、典雅、端庄的音乐风格形成了强烈的对比。如果贝多芬的
如果音乐只是黑白电影或印刷品，那么浪漫的音乐作品就像水彩画和五
彩色油画。这一时期产生了两种不同的浪漫主义音乐流派。一个
一种是以勃拉姆斯为代表的保守浪漫主义，一种是积极浪漫主义。
正义。浪漫主义音乐时期也是欧洲音乐发展史上最富有成果的时期。
它极大地丰富和发展了古典音乐的优良传统，并进行了大胆的创新。
这一时期的许多音乐珍品至今仍深受人们的喜爱和欢迎。