求一篇关于艺术与生活的论文
[日期:2008年8月24日]来源:作者:张婷婷[字体:大中小]
摘要
总的来说，古典的审美-艺术观(包括现代的“古典”审美-艺术观)强调艺术与生活的距离，重视艺术与生活的区别，认为艺术因其不寻常的性质而成为艺术；古典美学批评总是千方百计地寻找艺术上的独创性和艺术家们非凡的“绝活”。自20世纪以来，特别是80年代以后，这种观念发生了变化，世界各地出现了所谓的“审美生活”(艺术生活)和“审美生活”(艺术生活)思潮，不仅有美学理论家和艺术批评家在倡导，也有创作者在实践。艺术和生活的界限越来越模糊。
一个
艺术与生活，这是一个很老的话题，也是一个说起来很烂很无聊的话题。今天我再来讲一讲，不是为了无聊，而是想看看审美-艺术观念的演变，尤其是近年来审美-艺术观念的新动向。
从宏观上看，艺术与生活的关系大致经历了三个阶段:口头文化时期艺术与生活的直接融合；印刷文化时期，艺术和生活被异化和对立；在电子文化时代，艺术和生活再次融合。
在口头文化时期或者手写文化早期(尤其是在纸发明之前)，艺术和生活曾经是混乱的，密不可分的。那个时候，艺术是生活的一部分。比如渔猎时代人们的弓箭，既是工具，又是心爱的“艺术”产物(如果当时有所谓“艺术”概念的话)，而“艺术”与生活的界限模糊，或者说当时艺术还没有脱离生活，人们的审美意识还在生活实践的母腹中萌芽，比如中国古代的玉璧玉、玉黄、玉琮。即使在孔子时代，艺术仍然难以脱离生活。诗、乐、舞(如孔子所说的“八弦舞”)在后来人们的观念中并不是纯粹的艺术。即使是中世纪(如魏晋)佛教石窟的壁画和造像，也很难说当初有多少人把它们作为“艺术品”来使用。西方也是如此。甚至古希腊的戏剧原本也是酒神节仪式活动的一部分。
后来艺术逐渐“独立”，艺术与生活疏离。手写文化后期出现了纸，大大促进了美学和艺术的独立发展；尤其是在印刷文化时期，艺术以“精英化”、“贵族化”甚至“神圣化”的姿态与生活拉开距离，艺术被供奉在奥林匹亚的高顶上。当时人们认为艺术之所以是艺术，是因为它不同于生活，似乎离普通人的生活越远，地位越高，艺术就越好。这一时期可称为审美-艺术的古典时期。高雅古典艺术是一种崇拜艺术为生命本质的古典美学观念，是印刷文化时期审美-艺术现象的典型形式。与当时的社会状况和精神观念相对应，艺术活动被认为是高于生活的创造，艺术产品被认为是超凡脱俗的优秀产品，是超越世俗的神圣果实。印刷文化所处的历史时代，是人类不平等的时代，是“勤劳”的人为“劳动者”服务的时代。似乎艺术创作只能是“勤劳”之人的专利，而“劳动者”则被驱逐出美学-艺术的高雅殿堂，即使是自称诗风通俗、力求妇孺皆知的唐代大诗人白居易，也无法掩饰他骨子里审美观念的贵族心态。《琵琶行》中有“山歌、村笛当然有，但是粗声粗气，刺耳难忍”，有意无意地表现了对劣等民族文艺活动的鄙夷。审美-艺术活动是精英的活动，是人的活动，是优雅的人的优雅活动，所以艺术作品被视为不同于普通生活的优雅、特殊、精致的东西。
中国古典艺术家和艺术批评家特别强调艺术与生活的距离和差异。在他们看来，艺术是一种奇迹，或者说是一种魔力。传说顾恺之“邻居常岳，在墙上画了一个女人，小心钉牢。女方心痛，就告常康，拔了钉子，就好了”。还说南朝梁朝画家张僧繇画了“金陵安乐府四白龙，无目，每云一触即飞。人们以为是假生日，但请你点一下，闪电穿墙。二龙乘云飞上天，不点二龙者见”。这两个故事当然不可信。但是，它们表现了当时人们的一种观念，即艺术是一种异于生活的奇迹般的奇妙之物；至少他们渲染了艺术的奇妙和神奇。
中国古代艺术批评家往往以艺术如何不同于生活，如何超越世界来判断艺术的好坏。魏晋以来，出现了强烈的“以九质判人，以七策裁人”的风气，这也影响了审美。无论书法、绘画、诗歌，大多分三六类。比如南齐的谢赫说:“画东西的人，会把很多画的正反两面都盖住。”(3)他的《古画目录》把画家分为六类。梁钟嵘把诗歌分为上、中、下三类。之后，许多艺术评论家对其进行了解读，并区分了艺术和艺术家的不同标准。与画家相比，怀将神、苗、能分为三类，朱将神、苗、能分别分为一、中、下三级。另外增加了一品，依次为:神(上中下)、苗(上中下)、能(上中下)、一* * * 10。张彦远不一样。最高的艺术品格是自然，自然高于上帝，可分为自然、精神、美、细腻、精致。他说:“夫性之后失神智，美之后失神智，美之后失神智，精之后失精，精变精为病。自然人在上品之上；神在上品之列；精彩，上品之下；精者，中品之上；细心的都是佼佼者。我做了这五个等级来涵盖六个定律。”(4)后世艺术评论家虽各有见解，但有的以一品为先，其次为神、妙、能(修夫《益州名画录》)；有的主张取消张彦远关于自然的说法，一品也要抛开三事(王铭世贞的《一言》)。但有一点是相同的，那就是坚持艺术具有不同于普通生活的特殊品格；越是优秀的艺术，越是与平凡的生活不同。画中的“人像”要贴近原作。但其实画家的高明之处就在于他写出来的东西和原来的真实不一样，他一定比原来的真实更高更好。这是古典美学根深蒂固的观念。晚唐画论家张彦远曾讲过这样一个故事:晋代画家顾恺之“欲写尹钟堪之真，钟堪素目盲而固执。常康(顾恺之字)说，明政府要掩人耳目。亮则如轻云遮月。”在这里，艺术改变了生活的本来面貌。既能扬长避短又能化缺点为优点，化丑为美。但这样画出来的形象与现实生活中原本的“真实”相差甚远。
如果艺术要超越世俗，成为具有奇异魔力的“圣物”，那么创造艺术的人(艺术家)也必须是一个具有非凡能力的神奇人物。张彦远《历代名画》说，顾恺之“写情，不坏。刘义庆说的云，谢安指的是常康岳，与清画素未谋面。吴道子说“古今独尊，前不见鲁谷，后不见任何人。.....神造于天，灵不穷。.....弯弧，立柱，构梁。不是假的。直直的，飞几尺，发根肉肉的，更有力量。"7.朱《唐代名画录》对吴道子的描述更为“神”:“明帝忽思蜀路嘉陵江水，遂向吴生辞行，写其貌。回到日本，皇帝问他这件事，说:‘我没有粉书，记在心里。’后来宣布是在大同堂，嘉陵江300多里山川，一天就完成了。⑧郭颂·徐若的《图识》也说:“吴道子的画，古代只有一个人。”⑨
作家也是如此。唐代大诗人李白象，被称为“诗仙”、“神仙”，非人类所能比拟。“哦，但是它很高，非常危险！！蜀道难通，难于上青天”(《蜀道难通》)，“你见过黄河之水是怎样移出天庭而入海洋，一去不复返的吗？你不看高庭明镜中可爱的绺绺，虽晨丝黑，已夜变雪(《入酒》)，“白发三千尺，愁似长须”(《秋蒲之歌》)，“两岸青山相对，孤帆来”(《望天门山》)。这些形象，这样的想法，这样的感受，只有李白才能想象和写出。而悲天悯人的杜甫，诡异冷酷的李贺，也被称为“诗圣”“诗鬼”，却超脱凡间，受到众人的崇敬和崇拜？
在描述艺术家与大众的关系时，康定斯基谈到了贝多芬的“精英”性格:“精神生活可以用一个巨大的锐角三角形来表示，它被一条水平线分成若干个不相等的部分。上面是最窄的部分，下面更宽，面积更大。.....总有一个人站在三角形的顶端。他快乐的眼睛是他心灵的印记。即使是情感上最亲近的人也无法理解他。人们愤怒地称他为骗子和疯子。贝多芬就是这样一个孤独的人，站得笔直，被人辱骂。”与会艺术家是孤独的，他们在冰冷的“高处”追求“天道之和”。
通过上面的例子，我想说，过去人们总是把艺术家和作家视为“天才”，把他们的作品称为“奇迹”，强调艺术和生活的不寻常的不同。而哲学家也给出了坚实的理论支撑。影响最大的是康德的学说，至今仍被人们引用。康德对天才的定义是:“天才是为艺术提供规则的天赋(禀赋)”。由于这种天赋，作为艺术家与生俱来的创造能力，属于自然，我们也可以这样表述:天才是一种与生俱来的内在品质(ingenium Latin: talent)，它自然地为艺术提供了规则“11。康德强调:天才是天生的，不能直接教授、学习、模仿、继承或替代；天才是无意识的，“超出他(艺术家)的控制”；天才是原创的，仅此一家，无分支，“原创必须是其第一特征”，“同时，必须是典范”；而且，天才只属于艺术，不属于科学。”天才发布规则不是为了科学，而是为了艺术”12。谢林也有类似的说法，“天才只有在艺术中才有可能”13。叔本华还强调，天才是一种“超人的东西”，天才人物是“普照全世界的太阳”14。特别指出，在他们看来，尤其是在康德看来，艺术家(天才)和普通人是“范畴上的区别”15，这就在天才和普通人之间划出了一道不可逾越的鸿沟。
总之，古典艺术和古典美学总是把艺术家和普通人分开，给艺术家戴上天才的桂冠；总是试图区分艺术与生活，强调艺术与生活的“距离”(虽然布洛赫的“距离”理论是一个心理学问题，但也可以理解为美学——艺术应该脱离俗世生活)。有的艺术学校还刻意营造一种“异化”效果，让读者和观众始终意识到自己是在欣赏“艺术”，是在看“戏剧”，而不是生活；让读者和观众始终保持清醒的头脑，划清艺术与生活的界限。西方的布莱希特学派是这样，中国的梅兰芳学派也是这样。
二
从19年末到20世纪初，情况逐渐发生变化，特别是最近20-30年。这种变化的总趋势是审美-艺术生活和审美-艺术生活，或者说审美-艺术生活趋于一致。
这种变化的明显标志是从电影艺术对视觉文化的张扬开始的，视觉，相对而言，是人类与自然界和社会生活接触最广泛的一种感受。无论是一个民族、一个国家、一个城市还是一个企业，其文化首先是通过其视觉形象特征展现出来的。相对于文学、戏剧、绘画、雕塑、舞蹈、音乐等。，电影无疑是一种更大众化、更活跃、更图形化的艺术，它以生活的影像为材料和手段，强化艺术的图形表现，激活观众的视觉，在形式上接近生活本身的“表象”。观众进入电影，就沉浸其中，如同进入生活。电影的出现标志着一个“读图”时代的来临，一个艺术大众化和生活化时代的开始。
丹尼尔·贝尔把目光投向了影视，认为视觉文化源于一种“新美学”的诞生。他说:“我认为，当代文化正在成为视觉文化，而不是印刷文化。这是绝对的事实。这种变化的起源，与其说是影视，不如说是大众传媒，而是人们在19世纪中期开始经历的地域和社会流动，一种新的审美产生了。”16
丹尼尔·贝尔说的不是没有道理。不同于古典美学的“新美学”及相应的文化变迁是随着“社会流动”而产生的。追根溯源，是19世纪中叶开始的大变革时代的产物。马克思、恩格斯在描述那个时代的变化时说:“一切固定的古代关系和按照它们而被尊重的概念、观点都被消灭了，一切新形成的关系在它们被固定之前都将变得陈旧。一切固定的东西都消失了，一切神圣的东西都被亵渎了。”17如果在19世纪是这样，那么在20世纪和21世纪就会翻倍。
既然这种美学-艺术的新趋势是时代变迁的产物，那么它的影响就不仅仅局限于电影，还包括其他方面，也会有它的理论形态。首先涉及到“艺术边界”的问题。唯美主义者克罗齐说:“每一件真正的艺术作品都破坏了某种既定的范畴，推翻了批评家的观念。批评家不得不扩大那些范畴，以至于即使扩大了的范畴到最后也太窄了。随着新的艺术作品出现，新的笑话、新的颠覆和新的扩张不可避免地随之而来。“18原有的艺术类型在不断被打破，原有的艺术界限守不住了。而且，如何定义艺术越来越不确定，甚至无法把握。哲学家维特根斯坦认为艺术的经典定义已经失效，提出了“家族相似性”理论，认为美、艺术、游戏等没有统一的本质，只有家族相似性的关系:“我想不出比‘家族相似性’更好的方式来表达这些相似的特征；因为家庭成员之间的各种相似是如此交织在一起:身材，脸型，眼睛颜色，步态，气质，等等。——我想说，各种‘游戏’构成了一个家庭。“19在这个审美观念改变的时代，艺术似乎没有了边界，那些过去被认为不可能触及艺术的庸俗的“现成物”都成了艺术，20世纪最叛逆的艺术家之一杜尚在《关于现成物品》一文中说:“1913年，我有了一个奇怪的想法:把一个自行车轮子固定在厨房的长凳上，看它怎么转。.....当“现成商品”这个词出现在我脑海里的时候，也指出了这种表现形式。我急于建立的论点是，选择这样的现成物品并不是以审美享受为主导的。它建立在冷漠的视觉反应上，同时，无论好坏，都无从谈起...其实整个感觉是麻木的，它的一个重要特点就是裁决短；我不小心把标题刻在了这些‘现成物品’上。这种裁定代替一部标题作品来描述事物，意味着向观众传达另一个比文字更丰富的领域。“从1913开始，杜尚采用了工业设计图的几何方法，用所谓的‘现成材料法’制作自行车轮胎，即把一个普通的自行车车轮固定在厨房用的长凳上。1917年，他将一个刻有“春天”名字的小便池送到美国的美术馆展出——他要求人们从新的角度看待它，抛开原有的实际意义，于是小便池获得了新的内容，成为一件艺术品，1919年，他创作了巴黎最著名的现成画《带胡子的蒙娜丽莎》，也就是在蒙娜丽莎的画像上加上胡子。这些令人震惊的行为让有传统审美观念的人傻眼了。但是，一些具有先进思想的理论家做出了解释。布洛克说:“那些把各种现成的东西当成艺术品的人，其实是在从事一项非常严肃的事业。他们实际上是在拓展或再造人们的艺术观念。那些不认为上述物品是艺术的人，是在捍卫现有的艺术边界，抵制各种改变它的企图。" 21
把现成物品变成艺术品的秘诀在于“审美态度”。按照这些理论家的观点，任何物体，无论是人工的还是自然的，只要采取一种审美态度，都可以成为审美对象。但是，当一切都可以成为艺术的时候，艺术就会成为任何东西，艺术就会消失在生活中，或者与生活融为一体。正如丹尼尔·贝尔所说:“在过去，艺术是一种体验。现在，所有的经历都必须成为艺术。”
谢德庆，70年代潜入美国的台湾省行为艺术，有四件“行为艺术”的作品:(1)1978 9月30日至1979 9月30日，把自己关在纽约公寓自制的木笼子里一年，不读不写不看不听任何东西。(2) 1980-1981把自己关在笼子里整整一年，却要每小时打牌，一年365天，打了8760次。(3)1981—1982整整一年，他让自己完全在户外度过，任何情况下都不允许进入任何有遮盖的地方。(4) 1983-1984整整一年，他和一位美国女艺术家琳达·蒙塔诺住在一起，被绑在一根八英尺长的绳子两端，互不触碰。
不管读者是否承认上述行为是艺术，至少今天有些人高度评价这种“艺术”的水平和价值:它们“使我们能够接近一个人，看到他的‘苦难’和忍耐，看到他对生命极限的突破和挑战。让我们看到他真的投入到这样那样的生活状态中，他的体验和参与是如此的精粹和专注，这真的很重要。只有在这种情况下，生命才能最终作为一个客体被认识、被体验、被关照。.....西方艺术在近代的发展突然开辟了一个新的方向:艺术不再仅仅服务于视网膜，而应该成为观念或思想的表达。.....所以行为艺术的对象是生活，材料也是生活，目的也是为了生活。艺术家把自己当作“工具”，把生活作为一个客观的对象来展示”24。如果说谢德清的四件作品是高超的艺术作品，那么《站在2003年世界屋脊》登上珠穆朗玛峰、环法自行车赛、张健游过渤海湾、英吉利海峡、长白山天池和青海湖、《旦科》(柯受良)飞过黄河壶口瀑布、蜘蛛侠徒手爬上摩天大楼、新疆杂技演员走钢丝过长江和天坑...当然都是当今最时尚的艺术。
在古典时期，艺术被从神坛上拉了下来。过去，只有少数“精英”能“做”和“玩”艺术，现在，每个人都是艺术家，都可以成为艺术家，都可以“玩”艺术，美国学者弗雷德里克·詹姆逊(fredric jameson)这样描述:“在后现代世界，似乎出现了这样一种情况:成千上万的主体性突然发声，他们都要求平等。在这样一个世界里，艺术家个人的创作不再那么重要。艺术已经成为一个所有人都参与的过程，而不仅仅是一个毕加索。”大地艺术、观念艺术、广告艺术、行为艺术、波普艺术、卡拉0K、群众音乐会、各种群众文艺晚会，观众和演员往往会打成一片。网络文学，人人参与创作。电子文化媒介几乎直接将实物与视觉图像重叠。虚实难辨。创作与欣赏的界限消失了，作者与读者的界限消失了，艺术与生活的界限消失了，审美活动与实践活动的距离也消失了。所以生活就是审美，审美就是生活。